Maps to the stars (Cronenberg, 2015)

Sinopsis- David Cronenberg presenta una glamourosa coctelera del panorama hollywoodiense actual. Su  'mapa de estrellas' pivota desde la excéntrica actriz Havana Segrand (Julianne Moore), sobre la que empiezan a pesar los años, para presentar un recorrido satírico por las extravagancias y locuras del microcosmos que es el propio Hollywood. 

Cronenberg propone un escalofriante paseo por el "Paseo de la Fama", una macabra galería de vicios y perversiones que combinan el humor negro y un drama familiar salpicado por esquizofrenia, piromanía e incesto, aderezado con una violencia latente que se construye silenciosa y ataca discreta e inesperada y culminado por las alucinaciones con  fantasmas del pasado. 

Agatha (Mia Wasikowska) aterriza en Hollywood de la mano del conductor de limusinas Jerome (Robert Pattinson), un joven que aspira a convertirse en famoso gracias a sus suculentos guiones y que es la figura que encarna al guionista del propio film, Bruce Wagner. Ambos 'outsiders' acercan al espectador a la realidad y el caos de las estrellas hollywoodienses en un viaje por el caos de un mundo en el que la rehabilitación de las drogas de las estrellas adolescentes y el pseudoespiritualismo conviven con el pánico por envejecer encarnado en la angustia de Havana. 

La innovadora forma de presentación de los personajes es quizás uno de los puntos más fuertes del film, y cómo cada una de las piezas acaba encajando y reordenándose. La misteriosa Ágata, la excéntrica Havana, su doctor/fisioterapeuta/terapeuta espiritual Dr. Stafford (John Cusack), y el joven bieberiano Benjie (Evan Bird), que se reincorpora al mundo del espectáculo tras un intenso verano de 'rehab'.

Destaca la ejecutación impecable de la actuación de Julianne Moore encarnando la decadencia física, moral y sexual de una actriz que está acabada y sus alucinaciones freudianas.

Y el espectador queda cautivado con la aparición de Mia Wasikowska, un personajes trastornado, mutilado, una criatura misteriosa y gótica que el espectador desconoce incluso más allá de los créditos finales. 

Ambas dirigen y definen la melodía de un film que deja atrás la visión del salón de la fama hollywoodiense de los clásicos Sunset Boulevard (Wilder, 1950) y Todo sobre Eva (Mankiewick, 1950), para acercarse más al universo inquietante de Mulholland Drive (Lynch, 2001). Un viaje que zarandeará al espectador en su butaca, debatiéndose entre la risa y lo bizarro, sintiendo la tensión y, sobretodo, la incomprensión de todas esas atormentadas estrellas del mapa. 

Ida (Pawlikowski, 2014)

Sinopsis- Polonia, 1962. Anna (Ágata Trzebuchowska) es una novicia huérfana que va a hacerse monja. Antes de que esto ocurra, descubrirá que tiene una pariente viva, su tía Wanda (Ágata Kulesza), a la que visitará y le descubrirá su historia familiar judía y le desvelará mucho más que sus raíces. 

Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa (2015)

Galardonada con el Premio a la Mejor Película Europea (2014)

Si hay algo que caracteriza a Ida, es la gran apuesta por la vuelta a las raíces del cine europeo. Un film en el que el cine se convierte en arte en su estado más puro, en el que las imágenes son algo más que una estrategia narrativa, y la fotografía cobra protagonismo por sí misma. 

Ida es una apuesta en blanco y negro para una Polonia gris de la posguerra, en la que la cámara es fiel voyeur de la llegada de un progresismo tardío. En busca de sus raíces, la joven novicia descubrirá algo más que religión e identidad, creencia o progreso, se embaucará en la Historia misma del Holocausto nazi.Un film, sin duda, de reflexión sobre la historia reciente de la 'Vieja Europa' y sus heridas. 

Cada plano está meticulosamente medido para presentar a los dos personajes, Ida, y la tía Wanda, dos mujeres que viven una época convulsa desde dos puntos de vista radicalmente opuestos: el blanco (la pureza, la castidad, la religión) que acompaña a Ida, se contrapone al negro, que acompaña a la tía Wanda, una juez "roja", que fuma y conduce un automóvil, que es una mujer independiente y que ha tomado el control de su propia vida. Ambas mujeres son oprimidas en una imagen que siempre deja "aire" por encima de sus cabezas, poniendo de manifiesto que ninguna de las dos tiene control legítimo, socialmente, sobre sus decisiones. 

Otro de los elementos que caracterizan la producción, es la utilización del sonido como elemento narrativo predominante. Silencios que crean más tensión narrativa que las propias palabras. El polaco, que rompe el silencio con fuerza. La música, el jazz que llega a la Polonia más rural y atrasada y trae con cada uno de sus acordes el aperturismo y la cultura. 

Ida es un caramelo para los amantes del cine-arte, del cine europeo y que hará reflexionar sobre la propia historia de la Europa del Este con nostalgia, ternura y frialdad. 

Siempre Alice (Still Alice, Glatzer & Westmoreland, 2014)

Sinopsis- Siempre Alice relata la historia de cómo un Alzheimer precoz impacta radicalmente en la vida de la aclamada doctora en Lingüística, Alice Howland, y cómo afronta un deterioro cognitivo que avanza sin frenos.

El film que presenta la pareja Glatzer & Westmoreland es una reflexión sobre el Alzheimer y cómo irrumpe en la vida cotidiana para desgarrar recuerdos y vidas ajenas, alejando el presente y desconcertando el pasado, avanzando inevitablemente hacia un final sin final, un deterioro constante y tan paulatino como decida la caprichosa naturaleza humana.

Siempre Alice está tratada desde la sensibilidad sobre la pérdida de memoria, un drama familiar que se intensifica con la destrucción de la memoria, que conlleva la destrucción de las relaciones humanas.

La presentación del personaje

Desde la presentación del personaje, Alice se nos muestra como una mujer inteligente, amada y exitosa, a la que acompañamos en el drama personal y familiar, inevitablemente desde la empatía y la impotencia, desde las pequeñas trampas que ofrece la tecnología para suplir la eminente pérdida de memoria.

El film propone un juego con los puntos de vista que permite al espectador sentir lo que siente Alice (ese primer silencio en el que se olvida su primera palabra en la conferencia, la desorientación, primero corriendo en el campus donde ha trabajado durante los últimos 30 años y después en la casa de su infancia) y a la vez sentir la tristeza de acompañarla como mero espectador de su proceso de deterioro. Vulnerabilidad y entereza, una mujer luchadora e independiente que, de repente, se vuelve frágil. Ese es el retrato de una Alice encarnada por Juliane Moore, ganadora del Oscar a Mejor Interpretación femenina. Sin duda es Juliane Moore la que da vida a la complejidad del personaje y lo acompaña en la lucha por mantener vivos los recuerdos en la cotidianeidad que parece difuminarse ante sus ojos.  

La narración que acompaña hasta el final
El paso del tiempo suspendido ante la lucha. El espectador afronta ante la pantalla la certeza de que, Alice, sólo va a ir a peor. Superado el primer tercio del film, la agonía de Alice es compartida desde la butaca, cómplices de la innegable realidad del Alzheimer. Siempre Alice es narrada de manera lineal, avanza en el tiempo y la enfermedad evoluciona con ella.

El drama se intensifica innecesariamente en el guión (es una enfermedad genética, que heredará su hija mayor embarazada de gemelos, el marido de Alice es investigador, casualmente de neurología y es incapaz de "curar" a su mujer...), añadiendo más crudeza y quizás restándole fuerza a la situación, de por si, dramática e interpretada con excelencia por Juliane Moore.

La lucha es hasta el final, incluso contra cuando "sientes que vas a desaparecer"

Dos días, una noche (Dardenne, 2015)

Sinopsis- Sandra está a punto de reincorporarse a su trabajo tras unos meses de baja por depresión cuando recibe una llamada que le comunica que está despedida. Tras el fin de semana, sus compañeros votarán de nuevo si puede reincorporarse a cambio de perder todos su paga extraordinaria. Sandra emprenderá un viaje el fin de semana en el que buscará convencerlos de que renuncien al dinero con tal de que ella no se vaya al paro...

Aparentemente una historia sencilla que transcurre en un fin de semana, trata con una inmensa fuerza la denuncia social. Los hermanos Dardenne muestran en este film una de tantas historias cotidianas de despidos y problemas sociales, de desolación y de solidaridad laboral, de problemas económicos, de familias que afrontan situaciones, de empresas que miran sólo por el beneficio económico.

El film muestra como Sandra debe ir a visitar uno a uno a sus compañeros y pedirles que renuncien a su paga a cambio de que ella pueda quedarse. En este viaje, que también será un viaje para encontrarse a sí misma, descubrimos un retrato social de la crisis económica a través de familias que luchan por sobrevivir día a día,  la solidaridad, la multiculturalidad y la fuerza de los seres humanos.

Mujeres cineastas españolas: Pilar Miró

¿Quién fue Pilar Miró?

Pilar Miró fue la primera mujer cineasta que, durante el Franquismo, intentó con su cine, rompedor, arriesgado y anti-establishment, mostrar un cine español nuevo, un cine que hablaba de libertades. 

En 1982, con el primer gobierno socialista en España, Pilar Miró asumió el cargo de Directora General de Cinematografía, bajo el cuál llevó a cabo lo que hoy se conoce como "Ley Miró", un intento de aproximar el sistema del cine español al cine francés. Entre sus principales medidas incluía:

• Que el director fuera también productor y así tener mayor control sobre la película
• Aperturismo cultural e internacional del cine. Difusión y promoción del cine español. El film "Volver a empezar" (1982)  de José Luis Garci, logra el primer Oscar y se inauguran Semanas de Cine Español por distintas capitales a nivel mundial
• Las películas reciben, por primera vez en España, la calificaciones por edades 
• Creación de la Filmoteca Española, que cumple la función de salvaguarda del patrimonio histórico cinematográfico español. 

Durante el periodo de 1986-1989, fue nombrada Directora del Instituto RTVE, para después volver a su vocación como creadora. 

Sin duda, una de las grandes figuras femeninas del cine español: complicada, luchadora y siempre en busca de ese algo más que conforma la esencia del cine.

Destacan en su filmografía...

• La petición (1976)
• El crimen de Cuenca (1979) --> censurada por la Junta Militar
• Gary Cooper, que estás en los cielos (1980)
• Hablamos esta noche (1982)
• El perro del hortelano (1996)

Samba (Nakache &Toledano, 2015)

Sinopsis- Samba es senegalés, lleva viviendo en Francia más de 10 años y aspira a convertirse en chef. Alice es una alta ejecutiva francesa, que ha cambiado su trabajo temporalmente por apoyar como trabajadora social en un centro de inmigración. Sus destinos y sus vidas se cruzarán en un film sobre la inmigración en Francia desde un tono amable.

La conciencia social sobre la inmigración

Los directores de Intocable vuelven a la carga con un film que presenta una visión progresista del tema de la inmigración en Europa. Samba es un film de gran trasfondo, un cine social y de conciencia pero que se trata desde el tono del humor, de la comedia. Samba es uno de tantos inmigrantes negros que transitan las calles de Francia, y aquí la película busca reconciliar al ser humano con la vida, con la lucha y con los sueños, unir a dos mundos que se encuentran y se dan cuenta de que siguen siendo el mismo...

Pero Samba no es sólo comedia. Un híbrido entre drama político, comedia y romance, que acerca la cotidianeidad desde el buen humor. Una visión positiva sobre todos los problemas que afrontan los inmigrantes (desde el lenguaje a la xenofobia pasando por los interminables trámites burocráticos)

Brillantes Omar Sy y Charlotte Gainsborough.

Los personajes estereotipados cobran vida gracias a las brillantes interpretaciones de Omar Sy (Intocable, 2011), que ya se ha convertido en un referente en el cine francés por el magnetismo que transmite que supera la pantalla,  y Charlotte Gainsborough (Nymphomaniac. 2014), que supera con creces las expectativas en su interpretación de un personaje naïf, con el que que arranca la sonrisa del espectador constantemente y alguna que otra carcajada.