viernes, 30 de octubre de 2015

El club (Larraín, 2015)

Perturbadora e imaginativa cinematográficamente, el chileno Pablo Larraín nos trae una cinta en la que el silencio sobre las violaciones de curas pedrastas se rompe.

Quizás sea lo atractivo del tema. Un retiro eclesiástico que oculta las perversiones sexuales, los vicios y las maldades de unos curas condenados a vivir, silenciando su pecado. Es un film de profunda denuncia de los abusos, de abusos a niños, de abusos homosexuales. Es un film en el que el pasado, enterrado poniendo tierra de por medio en una alejada casucha de la costa chilena, se desvela aterradoramente, en silencio. 
El club trata de las relaciones del ser humano con la moral, de la aceptación, de la falsa moralina de la iglesia, del dolor humano, de la hipocresía. 

Pero también es la narrativa audiovisual. El cineasta juega a propósito con la textura de la imagen (con el grano), con una penumbra de ensoñación que enturbia la 'santidad' de los "curitas", pero también los contrapone con primerísimos planos de confesiones en gran angular, en el que no hay sombra ni escapatoria de los curas en retiro ante el nuevo "padre" que viene como purgatorio.  
Las imágenes reflejan mucho más de la realidad de lo que en un primer momento se puede atisbar, en un ejercicio fílmico en el que la violencia de la imagen dota de fuerza narrativa a los hechos, los refuerza. Oculta y "nubla" los pasados ocultos. Detona violencia, garra, carrera de galgos.

El galgo es la gran metáfora que acompaña y es leit motiv del film. El galgo como perro ganador "de plata", como cariño animal que no entiende de hombres, mujeres ni niños. El galgo como lo prohibido (el sexo), como el pecado. El galgo que persigue lo que no podrá tener: una presa alrededor de la que corre, que roza con su hocico, que nunca podrá tener...

lunes, 19 de octubre de 2015

Sobre la entrada de Netflix al mercado cinematográfico español

http://www.marketingdirecto.com/actualidad/medios/netflix-y-su-ofensiva-cinematografica-meten-el-miedo-en-el-cuerpo-a-la-industria-del-cine/


Recuerdo una conversación con Paco León hace un par de años sobre la necesidad de cambiar los canales de distribución cinematográficos en España. Comentaba, que con su saga 'Carmina' se había abierto una nueva veda en los canales de distribución, y discutíamos sobre el monopolio de los estrenos en las salas de cine. 

Recuerdo que él, me ponía los siguientes ejemplos:

  • Imagina que acabas de ser padre/madre. Por tu condición y tus responsabilidades con un bebé,  no puedes ir al cine. Pero, ¿por qué tiene eso que significar que no puedas ver/consumir cine a través de otros canales de distribución legales, de pago, a tu alcance, y que no dañen a la industria? 
  • Imagina que vives en un pueblo en la Andalucía rural,  en el que no hay salas de cine en 50km a la redonda porque no se consideran un negocio rentable. ¿Significa eso que tus posibilidades de consumir películas de estreno se vuelven de repente nulas?  ¿significa que, efectivamente, no vas a poder VER CINE de estreno?
 Creo que Netflix​ es una solución alternativa a los canales tradicionales de distribución cinematográfica, y eso es muy positivo para la industria. Es muy positivo en el sentido de que va a dar visibilidad y acceso a muchos productos audiovisuales, poniéndolos al alcance de muchos más potenciales espectadores, en cualquier lugar del mundo.  

Es muy positivo porque inagura una etapa en la que el cine no necesariamente se va a consumir sólo en las salas. Porque esta ya es la realidad en el caso español, solo que es necesario aún consumir productos audiovisuales por vías legales. 

Sin embargo, es cierto que Netflix supone un riesgo para las salas de cine tradicionales. Sobre todo para aquellas salas de cine que no sean capaces de reinventarse, que no se renueven, que no sean capaces de reestructurarse en torno a la oferta.
 Ese valor añadido de la gran pantalla panorámica, del sonido envolvente frente a la pequeña pantalla. Llega más que nunca el momento de que el cine se convierta en cine- experiencia. De que el espectador distinga entre el consumo individual (en la pantalla del ordenador) y el colectivo (el cine de las salas, el cine como objeto de consumo social). De que el acto social de "ir al cine" cobre el valor que se merece frente al consumo audiovisual del hogar, sin menospreciar ni mucho menos a este último.
Porque cada momento y cada situación condicionan cada visionado. Y porque siempre es buena la entrada de nuevos actores que nos traigan mucho (más) audiovisual.

viernes, 16 de octubre de 2015

El desconocido (Dani de la Torre, 2015)


Poco hay de novedoso en la historia de 'El desconocido'. Un banquero que ha estafado a sus clientes con las preferentes y que es amenazado con volar por los aires, junto a sus hijos, por una bomba de fabricación casera. El thriller, quizás, suena a historia conocida. Adaptada al tejido social español, al clima de indignación, a la crisis, a las historias humanas. Y, sin embargo, una historia conocida pero que el director gallego Dani de la Torre ejecuta en mayúsculas, elevando a nuestro cine de acción español y al thriller a niveles antes "desconocidos".

Impecable Luis Tosar

Luis Tosar ya viene siendo una constante de nuestro cine. El actor puede presumir de ser una de las caras más conocidas del cine español, construyendo su repertorio fílmico con interpretaciones que lo han convertido en uno de los rostros del cine español contemporáneo (La Comunidad, Los lunes al solTe doy mis ojosCelda 211, También la lluvia, El niño, Musarañas, Mientras duermes...).


Y en cada papel, de nuevo nos sorprende por su versatilidad incansable. Tosar le da magia al banquero encerrado durante todo el film en el todoterreno. Cada gesto y cada mirada crean esa complicidad con el espectador, al que obliga a permanecer allí, a su lado, en el asiento del copiloto, claustrofóbico, hasta el final. 

Ejecución, planificación y montaje

Dani de la Torre nos trae en su ópera prima un ejercicio de estilo en un film de acción "a la española" que poco tiene que envidiar al americano. Desarrollado al completo en el centro de la ciudad de
A Coruña, cuenta con planos espectaculares, aéreos, persecuciones, explosiones... Y todo mientras Tosar sigue al volante de un coche incluso sin las cuatro puertas.

Te gustará si...

No buscas una gran historia y te dejas envolver por la magia del thriller que nos ofrece el director gallego. Porque demuestra un extraordinario "savoir- faire" cinematográfico y forma parte de un grupo de films que están cambiando la concepción del cine de acción made in Spain

jueves, 8 de octubre de 2015

Regresión (Amenábar, 2015)



Sinopsis- Minnesota, medio oeste americano, 1990. El detective de policía Bruce Kenner (Ethan Hawke) y el psicólogo clínico doctor Rainer (David Thewlis), investigan la violación de un padre a su hija adolescente (Emma Watson) en un thriller psicológico que les conducirá a una investigación por los lugares más oscuros, vulnerables y escalofriantes de la mente humana y por una serie de rituales satánicos que revelan el atraso de una sociedad adormilada entre las creencias, el miedo colectivo y una psicología academicista. 

Vuelve el mejor Amenábar

Tras seis años de silencio (Ágora, 2009), Amenábar hace un glorioso regreso a las pantallas con un film que podría clasificarse como serie B y que regresa al género de terror o thriller psicológico más exitoso cine de su carrera con reminiscencias de Tesis (1996), Los otros (2001) o Abre los ojos (1997). 
Amenábar regresa con una apuesta internacional. El film, rodado íntegramente en EEUU y con un reparto internacional que brilla con luz propia, es una apuesta por mostrar un nuevo cine amenabariano, una mezcla de cine de terror y cine policíaco, en el que el suspense converge con el drama personal de uno de los temas más escabrosos y aún no explorados del cine contemporáneo: la violencia doméstica combinada con los rituales satánicos

 Teoría y exploración del miedo psicológico

Quizás la mayor fuerza del film reside en la evocación de muchas emociones en el espectador, que oscilan entre el miedo (el miedo infundido y la psicología del miedo) y la irracionalidad, la religión y la moral. En definitva, es un film que se construye in crescendo y que explora cómo funciona la sugestión en la mente humana, tanto dentro como fuera de la pantalla. La clave está en el juego con la identificación del espectador con el detective Bruce Kenner, y cómo el espectador se involucra en el relato, dejándose guiar por la cámara envolvente y la banda sonora, en esta turbulenta historia de lectura política y social. Amenábar induce, como hace el psicólogo con los investigados, al agnosticismo y la sensación de rozar lo irracional. Induce porque el film no se caracteriza por la extraordinariedad de sus efectos especiales, sino más bien por la fuerza de la historia, capaz de llevar al clímax y al relief final hilando la investigación de la mano de Kenner.

Construcción de la atmósfera

Pese a considerarse un film que roza la serie B, Amenábar logra una producción "a la americana". La construcción de la atmósfera del lugar, la lluvia y los coches, los encapuchados, la siniestra abuela de Angela, forman parte de esa estética decadente que envuelve el relato. Maravilloso manejo de la cámara y de la banda sonora.

Un film político, un tema social

Finalmente, hay mucho de crítica a las instituciones y al poder en Regresión. Crítica a la Iglesia que siembra el pánico entre los habitantes rurales y pertenecientes a una comunidad atrasada del medio oeste americano. Crítica al rol de los medios de comunicación masivos y su capacidad para impregnar de miedo a toda una población civil.  Crítica a la institución de seguridad, a la policía, incapaz de resolver racionalmente el caso hasta el final. Crítica a la psicología academicista.

Amenábar, bienquerido en España

La película ya ha sido un éxito en las taquillas españolas tras el primer fin de semana de su estreno, con una recaudación total de 2,6 millones de euros y un total de casi 400.000 espectadores. Un buen comienzo para el director hispano-chileno, que tratará de recuperar el primer puesto en taquillas de la historia del cine español, arrebatado en 2014 por los 'Ocho apellidos vascos' de Martínez Lázaro.


 

sábado, 3 de octubre de 2015

Mientras seamos jóvenes (Baumbach, 2015)




Noah Baumbach hila este film de manera reflexiva, inteligente, humorística y creativa, la brecha generacional entre dos "eras" tecnológicas irreconciliables en una comedia con mucho trasfondo, que explora la vida en pareja pasados los cuarenta. 

Generación X vs. Generación Z

Josh y Cornelia (Ben Stiller y Naomi Watts) son una pareja neoyorkina de creativos felizmente casada que inaugura la cuarentena sin hijos. Sin hijos mientras el resto de sus amigos y personas más cercanas tienen hijos. Mientras se sienten estancados profesionalmente. Mientras que empiezan a ser demasiado viejos para ser jóvenes.
Es en estas circunstancias en las que conocen a la entusiasta pareja neohipster formada por Jamie (Adam Driver) y Darby (Amanda Seinfield), que rompen sus esquemas y les abren nuevas perspectivas de ocio, de pensamiento, tecnológicas, y... morales.

Este film, que parece tratar una historia cotidiana de dos parejas cuyos destinos se cruzan, desemboca en una reflexión mucho más profunda sobre el desencuentro entre lo viejo y lo nuevo, que mezcla lo tecnológico y lo vintage,  sobre la cultura como elemento de manifestación de status y clase social, y lo "cultureta", la aspiración intelectualoide de la mediocridad. Baumbach reflexiona sobre la autenticidad y la imposición de las tribus urbanas, sobre ese momento en el que dejamos de ser jóvenes y lo que la sociedad espera de nosotros independientemente de nuestra voluntad individual. 

También muestra una crisis de pareja a los cuarenta, una crisis existencial, una crisis profesional.  Es un momento en el que se abre esa brecha insalvable en la que tanto Josh como Cornelia desean volver a la veintena, y el tiempo no vuelve atrás...




jueves, 1 de octubre de 2015

Irrational man (Woody Allen, 2015)

 

Un profesor de filosofía torturado y con una crisis existencialista, el romance con una de sus alumnas de la universidad, un crimen premeditado, y una reflexión sobre la moral cristiana son los elementos que conjuga Woody Allen en su film número 45, en el que vuelve a brillar  su cine más contemporáneo.
Woody Allen ha regresado a Estados Unidos tras su periplo por las capitales europeas. Ya lo hizo en Blue Jasmine (2013), pero ahora se consolida con una historia en la que el azar, la absurdez de la existencia humana se combinan con elementos de la comedia y la tragedia clásicas. Lo que propone Allen en este film es una reflexión sobre la moralidad, la moral real, la práctica, y no la que se estudia en los libros de filosofía. Abe (Joaquin Phoenix), el profesor de filosofía, es la figura clásica del héroe torturado, del escritor romántico que fantasea con la muerte,  que ha perdido toda moral y que pone de manifiesto que, al final, las decisiones se forman sobre los parámetros de la capacidad de supervivencia humana.
El film tiene muchos de esos grandes elementos que hacen del cine de Woody Allen un producto único. Una comedia que se convierte en tragedia, elaborado con elementos de la narrativa clásica. El triángulo amoroso, el amor idealizado e imposible, terminan tornándose en un drama shakespeariano, en un Macbeth moderno. Pasiones, instintos y supervivencia para un film que recuerda en muchas ocasiones al clásico de Woody Allen, 'Match Point'.
También retoma de su film londinense el elemento del azar, las casualidades y coincidencias de la anodina e impasible vida cotidiana, el toque intelectualoide al hablar de la cultura, de la filosofía, del pensamiento contemporáneo.

No falta tampoco la introspección en los personajes. Extraordinario cast liderado por un Joaquin Phoenix que se consolida tras irrumpir fuerte en el papel protagonista en 'Her' (Spike Jonze, 2013) y una sorprendente frescura y genialidad de Emma Stone, en su segunda colaboración con Woody Allen (tras 'Magia a la luz de la luna', 2014). Las voces en off que una vez oímos en 'Manhattan' (1979), ahora son las confesiones de los pensamientos más oscuros e íntimos de los personajes, que nos revelan más allá de lo que sucede en la acción.

A sus 80 años, Woody Allen vuelve a brillar con fuerza, con una historia tan original como humana, bailando entre la comedia y el drama para traer una reflexión que posiciona su cine, de nuevo, bajo ese adjetivo ya conocido como 'woodiallenesco'