La juventud (Sorrentino, 2016)

Después de llevarse el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa en 2014 por 'La gran belleza', el director napolitano regresa a la gran pantalla con una obra que sorprenderá por su extraordinaria conjugación de contenido y forma. 

Dos artistas en un retiro emocional Michael Caine, que interpreta a un director de orquesta jubilado, y Harvey Kittel, director octogenario aún en activo, harán una reflexión sobre el proceso de envejecer en una idílica residencia en los Alpes. 

La introspección en los personajes es uno de los principales puntos clave de este film, por un lado, su manera de narrar el final de sus vidas, esa dolorosa reflexión hacia el pasado, hacia todo lo que quedó por hacer, esa nostalgia por los tiempos pasados que comparten dos amigos de la infancia, el anhelo por la juventud. Y por otro, la sutil posición en la que pone al espectador, a la vez cómplice de la relación entre los ancianos, a la vez observador, con una fuerte identificación con el punto de vista de los personajes, la mirada que se posa sobre el resto impregnada de ese humor amargo, lento, como el transcurrir del día a día en el lujoso resort.  Y es que el cast no se queda corto de celebridades, entre las que hacen aparición estelar Jane Fonda, Rachel Weisz, la cantante Paloma Faith. Maradona o la top Madalina Ghenea en un cameo. 

Retomando los excesos y excentricidades propios del esperpento, la narración fílmica es una delicia. Desde los planos en los que la naturaleza cobra fuerza como elemento fundamental en la narración, esa forma de cine como arte contemplativo, hasta la pesadilla de Rachel Weisz que es un videoclip postmoderno, una genialidad en sí misma. Muy medido está también el tempo, el lento transcurrir de los minutos en el circo que se ha convertido la residencia de lujo. 

¿Y cómo iba a faltar la música en un film de Sorrentino? Sensorial y constructora de la atmósfera. 

La familia Bélier (Lartigau, 2014)

Lo que me encanta del cine francés contemporáneo es su capacidad de hacer introspección en los temas sociales y darles la suficiente relevancia como para mostrarlos en la gran pantalla.

La familia Bélier trata un drama social familiar, el de una familia rural sordomuda, salvo su hija adolescente, Paula, que es la principal interlocutora con el mundo. El relato, aderezado con muchos toques de comedia que permiten ese alivio de la realidad, narra esas pequeñas vidas de los habitantes de los acogedores pueblos de la campiña francesa, esos lugares alejados de cualquier lugar y de todo, rodeados de campo y de animales de granja.

En en contexto de esta vida tranquila y esta cotidianeidad, el profesor de canto del instituto de Paula descubre el asombroso talento de la joven para convertirse en artista. El film se intensifica al centrarse en ella, en los cambios de la adolescencia, en la lucha por un sueño, en el drama de la abandono de su entorno, de su familia. 

Sin duda, la elección del cast es un punto inmejorable del film. Louane Emera (Paula Bélier) deja atonito al espectador con su voz desgarradora.

El capital humano (Il capitale umano, Virzi, 2014)

Sinopsis- Un asesinato pone entre las cuerdas a una de las familias de negocios más reconocidas de Italia y a la familia de la pareja del hijo adolescente. Un crimen casual, el atropello de un ciclista, que nos permitirá adentrarnos en la vida de un alto ejecutivo financiero y un agente inmobiliario con ínfulas de capital.

El cine italiano contemporáneo viene pisando fuerte en los últimos años. Films como La mejor oferta (Tornatore, 2013), Viva la libertad (Andò, 2013) o La gran belleza (Sorrentino, 2013) son el ejemplo de un cine europeo que llega pisando fuerte. Un cine marcado por la crítica social, por el derroche de una Italia pre-crisis económica, de personas humanas y grandes locuras, un cine que es el estado de ánimo de una nación.

Paolo Virzi nos acerca a un mundo de las clases altas italianas a través de un retrato social desgarrador de vidas desestructuradas, de familias que agonizan por encontrarse entre el lujo y la desolación.

Todo el film se estructura en torno a un asesinato, desafortunado y casual, de un ciclista, en la carretera que lleva a la espectacular mansión de la familia Bernaschi en lo alto de una colina. El film abre con el suspense generado por una cámara que sigue desde la nuca al ciclista, respirando su aliento mientras atraviesa caminos y carreteras inhóspitos en mitad de la noche. Se palpa el suspense y el espectador intuye el golpe en la oscuridad. 

Capítulo I

En cuanto se produce el accidente, el film se desarrolla en tres (peculiares) actos: narrando la misma historia desde tres puntos de vista diferentes. La narración deconstruida guía al espectador a descubrir los mundos personales de tres de los personajes que están vinculados al crimen. Historias desgarradoras. Dino Ossola, un agente inmobiliario con deseos de grandeza que roza la ridiculez a ojos de la familia Bernaschi, para la que sólo es el payaso del padre de la novia de su hijo, Serena; Carla, la infeliz mujer del multimillonario financiero Massimiliano Bernaschi; y Serena Ossola, el personaje más realista y desgarrador del film, vinculada a la familia Bernaschi por ser la novia de su hijo.

La genial adaptación de Virzi de la estructura clásica de los tres actos posee una vital fuerza narrativa que permite la historia dentro de la historia, la introspección de los personajes, la ruptura narrativa y la sorpresa; todo en un film que se desarrolla dinámico y lento, entre el silencio aterrador de la mansión Bernaschi en lo alto de una colina y el ajetreo de las vidas banales, vacías, rotas, que la albergan. 

Ida (Pawlikowski, 2014)

Sinopsis- Polonia, 1962. Anna (Ágata Trzebuchowska) es una novicia huérfana que va a hacerse monja. Antes de que esto ocurra, descubrirá que tiene una pariente viva, su tía Wanda (Ágata Kulesza), a la que visitará y le descubrirá su historia familiar judía y le desvelará mucho más que sus raíces. 

Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa (2015)

Galardonada con el Premio a la Mejor Película Europea (2014)

Si hay algo que caracteriza a Ida, es la gran apuesta por la vuelta a las raíces del cine europeo. Un film en el que el cine se convierte en arte en su estado más puro, en el que las imágenes son algo más que una estrategia narrativa, y la fotografía cobra protagonismo por sí misma. 

Ida es una apuesta en blanco y negro para una Polonia gris de la posguerra, en la que la cámara es fiel voyeur de la llegada de un progresismo tardío. En busca de sus raíces, la joven novicia descubrirá algo más que religión e identidad, creencia o progreso, se embaucará en la Historia misma del Holocausto nazi.Un film, sin duda, de reflexión sobre la historia reciente de la 'Vieja Europa' y sus heridas. 

Cada plano está meticulosamente medido para presentar a los dos personajes, Ida, y la tía Wanda, dos mujeres que viven una época convulsa desde dos puntos de vista radicalmente opuestos: el blanco (la pureza, la castidad, la religión) que acompaña a Ida, se contrapone al negro, que acompaña a la tía Wanda, una juez "roja", que fuma y conduce un automóvil, que es una mujer independiente y que ha tomado el control de su propia vida. Ambas mujeres son oprimidas en una imagen que siempre deja "aire" por encima de sus cabezas, poniendo de manifiesto que ninguna de las dos tiene control legítimo, socialmente, sobre sus decisiones. 

Otro de los elementos que caracterizan la producción, es la utilización del sonido como elemento narrativo predominante. Silencios que crean más tensión narrativa que las propias palabras. El polaco, que rompe el silencio con fuerza. La música, el jazz que llega a la Polonia más rural y atrasada y trae con cada uno de sus acordes el aperturismo y la cultura. 

Ida es un caramelo para los amantes del cine-arte, del cine europeo y que hará reflexionar sobre la propia historia de la Europa del Este con nostalgia, ternura y frialdad. 

Dos días, una noche (Dardenne, 2015)

Sinopsis- Sandra está a punto de reincorporarse a su trabajo tras unos meses de baja por depresión cuando recibe una llamada que le comunica que está despedida. Tras el fin de semana, sus compañeros votarán de nuevo si puede reincorporarse a cambio de perder todos su paga extraordinaria. Sandra emprenderá un viaje el fin de semana en el que buscará convencerlos de que renuncien al dinero con tal de que ella no se vaya al paro...

Aparentemente una historia sencilla que transcurre en un fin de semana, trata con una inmensa fuerza la denuncia social. Los hermanos Dardenne muestran en este film una de tantas historias cotidianas de despidos y problemas sociales, de desolación y de solidaridad laboral, de problemas económicos, de familias que afrontan situaciones, de empresas que miran sólo por el beneficio económico.

El film muestra como Sandra debe ir a visitar uno a uno a sus compañeros y pedirles que renuncien a su paga a cambio de que ella pueda quedarse. En este viaje, que también será un viaje para encontrarse a sí misma, descubrimos un retrato social de la crisis económica a través de familias que luchan por sobrevivir día a día,  la solidaridad, la multiculturalidad y la fuerza de los seres humanos.

Samba (Nakache &Toledano, 2015)

Sinopsis- Samba es senegalés, lleva viviendo en Francia más de 10 años y aspira a convertirse en chef. Alice es una alta ejecutiva francesa, que ha cambiado su trabajo temporalmente por apoyar como trabajadora social en un centro de inmigración. Sus destinos y sus vidas se cruzarán en un film sobre la inmigración en Francia desde un tono amable.

La conciencia social sobre la inmigración

Los directores de Intocable vuelven a la carga con un film que presenta una visión progresista del tema de la inmigración en Europa. Samba es un film de gran trasfondo, un cine social y de conciencia pero que se trata desde el tono del humor, de la comedia. Samba es uno de tantos inmigrantes negros que transitan las calles de Francia, y aquí la película busca reconciliar al ser humano con la vida, con la lucha y con los sueños, unir a dos mundos que se encuentran y se dan cuenta de que siguen siendo el mismo...

Pero Samba no es sólo comedia. Un híbrido entre drama político, comedia y romance, que acerca la cotidianeidad desde el buen humor. Una visión positiva sobre todos los problemas que afrontan los inmigrantes (desde el lenguaje a la xenofobia pasando por los interminables trámites burocráticos)

Brillantes Omar Sy y Charlotte Gainsborough.

Los personajes estereotipados cobran vida gracias a las brillantes interpretaciones de Omar Sy (Intocable, 2011), que ya se ha convertido en un referente en el cine francés por el magnetismo que transmite que supera la pantalla,  y Charlotte Gainsborough (Nymphomaniac. 2014), que supera con creces las expectativas en su interpretación de un personaje naïf, con el que que arranca la sonrisa del espectador constantemente y alguna que otra carcajada. 

The imitation game (Descifrando Enigma) (Tyldum, 2015)

Sinopsis- El director británico Morten Tyldum rinde homenaje a uno de sus compatriotas más célebres de todos los tiempos, Alan Touring, célebre físico que fue capaz de descifrar los códigos nazis y así poner fin a la II Guerra Mundial, con esta cinta biográfica en la que se ensalza el héroe incomprendido tras el genio.

Vuelve un tema recurrente, el de las grandes Guerras visto desde el prisma de Reino Unido en los años 40. Un invento: una máquina que sea capaz de descifrar los códigos del ejército nazi. Un obcecado físico cum laude que cree en las matemáticas más allá de la capacidad humana. Un incomprendido, cuya atormentada vida y reprimida homosexualidad ocultan a un genio, quizás uno de los grandes genios que tuvo Europa en el siglo XX.

La historia se narra en tres tiempos. El momento actual se desarrolla en los años 50, una investigación policial severa se cierne sobre un Touring desapercibido y minucioso; los años 40, durante su invención de la máquina que logrará descifrar Enigma, y sendas alusiones a una infancia triste de acoso y discriminación por su condición intelectual y sexual. Los tres tiempos se entrelazan entre sí para encajar en un enigma, el de la propia vida de Touring, y llegar a su trágico final. 

La escenografía y el vestuario completan con exquisitez y detalle el retrato de un Londres de época, revelan el paso de una devastadora tragedia con cruda delicadeza. La ambientación se ajusta a la temática y culmina con la inmejorable interpretación del dúo Benedict Cumberbatch- Keira Knightley.

Por fin llega a las pantallas el homenaje que su país nunca rindió al genio. Alan Touring: Descrifrando Enigma.

  

Magia a la luz de la luna (Woody Allen, 2014)

Sinopsis- Stanley (Colin Firth) es un afamado mago a nivel mundial en los años 20. Un viejo amigo de la infancia le cuenta que, en su lugar de veraneo del sur de Francia, ha llegado una joven americana (Emma Stone) con dotes de vidente. Stanley se propone desenmascarar a la farsante en una aventura romántica que le llevará por la Costa Azul.

Encantador escenario: la Costa Azul francesa, años 20

El film, ubicado temporalmente en los años 20, muestra el deslumbrante esplendor de un verano en la burguesa Costa Azul en Francia en un recorrido por unos paisajes naturales deslumbrantes y soberbios con una luz natural minuciosamente medida.

La época que narra también destaca por su estética, tanto por el vestuario como por la atmósfera que recrea: las clases altas y sus fiestas, su derroche, su gusto por los placeres y los lugares idílicos. Hay algo que recuerda innegablemente a Medianoche en París, pero también hay ecos del Gatsby de Fitzgerald, o de Daisy Miller de Henry James, que perfectamente podría ser Sophie, la vidente.

Creencia, misticismo, magia y religión

El relato detrás de la comedia de enredos que nos propone esta vez Woody Allen es mucho más profundo de lo que las apariencias proponen. El momento histórico con el que coincide trae consigo reflexiones sobre la existencia y el más allá, sobre la religión frente a la racionalidad, la lógica frente a la magia, los límites del conocimiento humano. 

La magia (el truco) siempre está presente, el angaño, el artificio, la mentira. Pero no nos queda más remedio que vivir, con todo esto, para ser felices. 

Un clásico de la comedia romántica: el triángulo amoroso

Woody Allen flirtea con el clásico lío amoroso entre dos opuestos irreconciliables en un cuento en el que parodia al bardo trovador, enamorado burgués embelesado por la belleza de su amada, y cuestiona los valores ético-sociales en la figura de Sophie.

De nuevo opone lo racional a lo pasional, jugando con el engaño y desenmascarar al desenmascarado desde el primer momento.

Una de las obras menores de Woody Allen en los últimos tiempos, aunque con una estética y una localización dignas de una obra maestra. 

La representación del sexo en el cine contemporáneo (2011-2014)

La exploración del sexo en pantalla: ellas y ellos

Coincidió con el día de Navidad de 2013 cuando un transgresor Lars von Trier llevó a la gran pantalla la rompedora primera parte de Nymphomaniac, una cinta que narra explícitamente la historia de Joe (interpretada por Charlotte Gainsborough), una joven que a una muy temprana edad descubre su adicción al sexo. 

La segunda parte de Nymphomaniac es una inmersión en la crudeza biográfica de Joe. El sexo se muestra de manera directa en la pantalla. Explícito, sin esconder nada. A veces duro, situaciones escalofriantes, situaciones cómicas. Violencia y sexo. Por primera vez se trata el sexo en el cine desde el punto de vista de una mujer, una mujer adicta al sexo. 

Porque al hombre adicto al sexo ya lo conocimos en Shame (McQueen, 2011), encarnado por Michael Fassbender. Un relato escalofriante que despoja al protagonista de sentimientos: un autómata del sexo, sin escrúpulos. Una vida vacía, días intensos de trabajo, noches de cacería. El reflejo de un sector de la sociedad de clase alta, sofisticado, pero que ya no se oculta, que ya no tiene vergüenza de ser quien es en la intimidad. 

Descubriendo el sexo. Adolescentes.

La exploración del descuidado sexo adolescente se muestra en Joven y bonita (Jeune et jolie, Ozon, 2013), en el que una chica en plena pubertad, proviniente de una familia burguesa y acomodada, decide convertirse en prostituta de lujo, una visión muy diferente de esa exploración del sexo por parte de Benjamin (Dustin Hoffmann) en el clásico El graduado (Webb, 1967), en la que, joven e inexperto, descubre el placer de la mano de su vecina Mrs Robinson, una mujer amiga de los padres y de la edad de los mismos.
Un visión muy diferente del sexo, sin duda, que muestra la evolución y aceptación social de lo "políticamente correcto", y hasta qué punto el sexo pasa de tema tabú a tema acogido por el público. 

El sexo homosexual, también en sus mejores cines

La vida de Adèle (Kechiche, 2013), es uno de los principales exponentes del cine lésbico, en el que una adolescente busca su identidad sexual, huyendo de lo "estipulado" y lo "correcto", enamorándose de otra joven de extravagante pelo azul. Una cinta en la que la representación del sexo es de las más explícitas en su género y en la que Adèle tendrá que enfrentarse a muchos obstáculos y desgarrar falsas convicciones para encontrarse a sí misma.

Weekend (Haigh, 2011) hace lo propio en el cine gay. Un relato que huye de la frivolidad de las relaciones de una noche para narrar una historia de mucho sexo y sentimientos verdaderos.






Parece que la representación del sexo en el cine está cambiando. Está cambiando principalmente desde lo que concierne a la "esfera de lo público", es decir, qué podemos visionar en espacios públicos, que no quiere decir por ello que sea lo moralmente aceptado por la sociedad en su conjunto.
Estas películas oscilan entre el erotismo y la pornografía, por su alto contenido erótico, construidas con una puesta en escena regida directamente por parámetros eróticos (curiosidad, morbo, deseo).  Los cuerpos humanos se exponen a los ojos de un voyeur, espectador curioso que siente atractivo. El sexo, como antes ocurrió con la violencia, se naturaliza al insertarse en una serie de films que lo convierten en objeto de la cotidianeidad fílmica. Muestra de ello es la llegada el próximo mes de febrero de la adaptación de la novela 50 sombras de Grey. 

2014: Top 5 Películas que te sorprenderán

Hoy nos alejamos de los blockbuster para acercaros una selección de películas, quizás menos conocidas, pero que merecen una distinción este 2014. 

5) Viva la libertad (Andó, Italia)

Italia se arriesga con una cinta en la que se hace una profunda crítica los políticos del país, corrupción y mentiras. Una sátira que muestra las posibilidades hacia nuevas vías más amables de hacer política en Italia.

4) Begin again (Carney, EEUU)

La música se convierte en el leit motiv de una película diferente. Keira Knightley protagoniza este film en el que asistimos a una aproximación a la industria discográfica indie. ¿Lo mejor? Las canciones, el recorrido por las calles de Nueva York y la ilusión que despierta la carrera artística  descubrir una incipienta carrera artística entre bambalinas.

3) Una vida en tres días (Reitman, EEUU)

Kate Winslet protagoniza este melodrama situado en el Estados Unidos rural. Divorciada y devastada, 

¿Por qué te sorprenderá? La indagación psicológica en los personajes (y la elección perfecta del cast), el guión y el tempo. 

2) Hermosa juventud (Rosales, España)

El drama de la generación ni-ni. La cinta de Rosales se aventura a destapar una historia (como tantas otras) de la juventud española con graves problemas para encontrar empleo.

Imprescindible.

• Es un claro ejemplo de grandes resultados, bajo presupuesto.
• Una elipsis temporal narrada a través de Whatsapp no dejará indiferente al espectador por ser una nueva e ingeniosa forma narrativa.
•  Sorpresas de principio a fin en esta película agridulce

1) Magical Girl (Vermut, España) 

Carlos Vermut presenta un film oscuro en el que el espectador tendrá que recomponer piezas de un puzzle, en el que será privado de poder ver cómo transcurre la acción y tendrá que recurrir a recomponerla en su imaginación, en el que casualidades y situaciones inverosímiles desvían el curso de la historia dando lugar a una laberíntica y espeluznante historia que no dejará a nadie indiferente. 

Si vas a contar una historia conocida, cuéntala de una manera diferente: Exodus (Scott,2014)

Ridley Scott (Reino Unido, 1937) se aventura de nuevo en un film histórico en el que el espectador revisita la liberación del pueblo hebreo en un viaje por los más avanzados efectos especiales que conoce el cine actual.

En efecto, la historia que presenta el director de Gladiator (2000), es una historia ya conocida por el espectador. Entonces, ¿por qué ir a ver Exodus: Dioses y Reyes?

Un director- marca

Ridley Scott, a sus 77 años, es uno de los más reconocidos directores en el panorama mundial. Tras el éxito de su primer cine sci-fi (Alien, 1979 y el primer símbolo de la postmodernidad en el cine, Blade runner, 1982), una rompedora Thelma y Louise (1991), nominada a los Oscar como Mejor Director, suponía un giro temático en la carrera de Scott.

Posteriormente llegó Gladiator (2000), que supuso la consagración del director británico en el panorama estelar hollywoodiense con Oscar (Mejor película, Mejor actor, Mejores Efectos Visuales, Mejor Vestuario y Mejor Sonido entre otros), tras el cuál otros proyectos como Haníbal (2001), Black Hawk Derribado (2002), El reino de los cielos (2005) o Prometheus (2012). Sin duda una extensa carrera fílmica en la que la calidad como director crece apoyándose en cada vez mejores efectos visuales para trasladar al espectador a lugares más allá de la imaginación.

Un escenario audiovisual made in Spain

Fuerteventura y Almería fueron los principales destinos en los que se rodó el film de Scott. El desierto de Tabernas (Almería) es el principal escenario del antiguo Egipto (donde se rodó otro film histórico el 1962, Lawrence de Arabia), mientras que las localidades del sur de Fuerteventura son las responsables del espectacular Mar Rojo que exhibe el film. 

La espectacularidad del VFX

Los efectos visuales VFX en Exodus son otro de los principales atractivos del film. Paisajes que son trasladan al antiguo Egipto, ejércitos y esclavos creados por arte de la magia de la postproducción, plagas y recreación del Mar Rojo, el cruce hebreo de las aguas... Scott nos trae un sinfín de minuciosamente estudiadas imágenes que deslumbran al ojo humano. 

La isla mínima (Marshland) (Rodríguez,2014)

"Poco a poco, con paciencia de monje trapense, el realizador andaluz Alberto Rodríguez está construyendo, como quien no quiere la cosa, tal vez la más coherente de las carreras en el cine criminal que haya visto el reciente cine español." Mirito Torreiro (Fotogramas)

La investigación del truculento asesinato de dos adolescentes (torturadas y violadas) en un pequeño pueblo en las marismas del Guadalquivir nos adentra, de la mano de los dos policías, Juan (Javier Gutiérrez) y Pedro (Raúl Arévalo), en un thriller noir en el que paisaje, momento histórico y política (años 80. principios de la Transición) complementan una trama que desvela lo turbio y tenebroso del sur rural. 

Una excelente construcción del género

Alberto Rodríguez presenta un thriller negro magistral: de suspense in crescendo, de sospechas e intrigas, de silencios inquietantes y perturbadores y persecuciones en una naturaleza indomable, de angustia por la presencia (cercana) de unas marismas que parecen engullirse a las jóvenes de un pueblo rural y cerrado. 

La trama se enturbia, como las aguas de las marismas: nada es transparente, los diálogos, los movimientos y los gestos de los personajes, las mentiras, la sombra de un franquismo aún reciente que se cierne sobre una sociedad que aún no ha despertado de la resaca. 

La revisión del pasado reciente de España

En el film convergen historias personales, dramas de contenido social y un fuerte contenido político. Los dos policías encarnan "lo viejo" (Juan es heredero del brazo más violento de la policía franquista) y "lo nuevo" (Pedro es más progresista y aperturista. "Ya me dijeron que usted daba problemas" le reprocha su superior en un momento de la película), que se "reconcilian" con un fin común: una investigación que revela un sur aletargado y rural, insalubre, en el que obreros explotados conviven con ricos terratenientes y cortijos abandonados, y en el que las adolescentes anhelan escapar y respirar mundo exterior (trabajar en el incipiente sector del turismo), alejado de las ideas arcaicas de un pequeño pueblo que no termina de despegarse el olor a aguas muertas. 

La estética del film

El film también se presenta como un ejercicio artístico que desenvuelve el ejercicio narrativo.

Los espectaculares cenitales de las marismas del Guadalquivir convierten al paisaje en un omnipresente elemento artístico. El paisaje (español) cobra importancia, la marisma como metáfora de la sociedad: el agua sucia que oculta, esconde, engaña, intimida a la sociedad.

La construcción de los personajes

Desde los principales hasta los secundarios, el cast demuestra la brillantez del cine español, con especial mención a Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez. El personaje de Javier Gutiérrez (Juan, policía pro-franquista) es quizás el de mayor complejidad dramática: violencia y alcohol se mezclan en una mente turbulenta e inteligente, un "tríptico", como nos muestra en ocasiones el reflejo del espejo, y la interpretación la completa con maestría uno de los ya veteranos de nuestro cine. 

Un final abierto, el último trago de un whisky ochentero

La trama, diseñada como la construcción del puzzle, acaba encajando las piezas: la investigación meticulosa, lenta, "manual" de los crímenes, la resolución reveladora. Y al final un final abierto, una incertidumbre y una sombra que se cierne sobre una sociedad que aún tiene que beber para olvidar.

La película española para los Oscar 2015: "Vivir es fácil con los ojos cerrados" (Trueba, 2013)

La cinta de David Trueba, galardonada con 6 Goyas en 2014 (Mejor Película y Mejor Director, Mejor Guión Original- David Trueba, Mejor Actor- Javier Cámara, Mejor actriz revelación- Natalia de Molina y Música original) es la representante española en los próximos Oscar de 2015 en la categoría de Mejor largo de habla no inglesa. 

Sinopsis. Vivir es fácil con los ojos cerrados trata la historia de Antonio (Javier Cámara), un profesor de inglés soñador en la España de 1966. Antonio, motivado por la visita de John Lennon a Almería para un rodaje, emprenderá un camino en coche desde Albacete hasta Almería para conseguir completar las letras de las canciones de los Beatles. En el camino conocerá a Belén (Natalia de Molina) y a Juanjo (Francesc Colomer) , que intentan reconstruir su camino en una España que aún adolece la dictadura franquista. 

Un retrato de la posguerra española

Un retrato de soledad e incomprensión: la España de los años 60 aún sigue en busca de la libertad, y eso es lo que se representa a través de los tres protagonistas.

Juanjo se rebela de su familia, que le obliga a cortarse el pelo (el pelo largo considerado como un síntoma de intolerable rebeldía) y se escapa de casa. Belén, "descarriada" y embarazada, se escapa del lugar donde la tienen recluida con su vergüenza. Ambos se encuentran con Antonio, maestro que rompe con los estereotipos de maestro franquista al ser alegre y soñador, y emprenden una road trip a la española en la que se buscarán a sí mismos ante la oscuridad que se cierne ante ellos y que no termina de extinguirse. 

La posguerra significa un hito que se refleja en los tres personajes: hace falta emprender el propio camino, diferente, único, aún sin trazar, con valentía, con entereza y alzarse ante la incertidumbre. Y es aquí donde la calidez narrativa de Trueba logra exponer el lado más tierno y emotivo. 

Nos acerca a esas vidas 'pequeñas' de personajes 'muy grandes', a esos pequeños instantes vividos. A la ternura de unas palabras o de una mirada de apoyo. Nos invita a conocer a sus tres desconocidos que, por un fin de semana, dejan de serlo. 

Es este aperturismo personal el que coincide con el aperturismo de España al mundo y la llegada de figuras internacionales como John Lennon. 

Vivir es fácil con los ojos cerrados ensalza, además, la labor cándida y comprensiva de los maestros, un papel que parece difuminarse durante el franquismo y que Trueba trae de vuelta para reescribir su papel dentro de la Historia (en mayúsculas) silenciosa. 

Western, road- movie con toques de comedia

La elección de la localización desértica parece una pequeña metáfora de "lo que ha quedado" de la dictadura que ha arrasado con todo. Desierto. Amarillos nostálgicos. Verdes que desean renacer. Y es que la tonalidad cromática que exhibe Trueba destiñe nostalgia y anhelo de dejar pasar la luz a través de la oscuridad.

Sin duda es una road-movie en la que sus tres protagonistas buscan su camino en la carretera. Pero es quizás aquí donde el director aporta un toque innovador al género. Vivir es fácil con los ojos cerrados no es un melodrama, sino una comedia. Los personajes buscan apoyarse mutuamente para superar, con alegría, los obstáculos de sus propias situaciones personales. 

El cast

Sin duda la elección de los actores es una pieza clave en el film. La interpretación de los tres protagonistas destaca por su brillantez, cada uno en una etapa diferente. Javier Cámara (Antonio) se reinventa a sí mismo evocando risa y ternura a partes iguales, Natalia de Molina (Belén), bien vale ese Goya a Mejor Actriz Revelación con un papel complejo: tímida y dulce, llena de coraje y a la vez tan frágil. Finalmente Francesc Colomer (Juanjo) exhibe una madurez interpretativa que deja atrás al niño de Pa Negre (Villaronga, 2010)

Relatos salvajes (Szifron, 2014)

Imagina que la violencia, la ira, la frustración, la pasión o la desesperación que experimentas en la cotidianeidad no tuviera que ser reprimida. Ese es el leit motiv de "Relatos Salvajes" que nos presenta Szifron de la mano de la productora El Deseo. 

Violencia y comedia se mezclan en una coctelera de la que salen seis relatos en los que los protagonistas se dejan llevar por su lado más salvaje en situaciones de su día a día. Venganza y las propias relaciones humanas.

En el primer relato, viajamos al interior de un avión, en el que sus pasajeros están, casualmente vinculados por conocer al mismo hombre.

En el segundo relato, un bar de carretera acoge a uno de los intendentes más odiados de la zona y planea envenenarlo de manera desinteresada.

El tercer relato nos muestra la mala educación al volante y la violencia (interminable) de dos conductores.

El cuarto relato, quizás el más llamativo por estar protagonizado por la estrella del cine argentino, Ricardo Darín, narra la desesperación ante un ineficiente sistema público de tráfico.

El quinto relato desvela los tejemanejes de una familia acomodada cuando su hijo adolescente atropella a una embarazada y se da a la fuga y busca la manera de evitar culparlo.

Y finalmente, el sexto y último relato, cuenta la historia de un engaño, descubierto en plena boda: desgarrador, violento, salvaje. 

Los seis relatos cuentan también con otro denominador común: una producción excelente. Una fotografía minuciosamente cuidada, un montaje delicado frente a la violencia, cámaras que nos trasladan a distintos ángulos de la acción y que nos acercan la violencia, la desgarradora agonía o la ira de los personajes.

Ibermedia: una coproducción europea

El programa Ibermedia es la materialización de la manifestación cinematográfica en América Latina, España y Portugal a través de coproducciones audiovisuales enfocadas a productos audiovisuales de calidad y dentro del abanico de la excelencia del cine. Gracias a esta coproducción, Relatos Salvajes logró el Premio del Público a la Mejor Película Europea en el pasado Festival de Cine de San Sebastián (2014). 

Ibermedia promueve que no pare el talento. 

El cine 'europeo' de Woody Allen como herramienta de city marketing

Woody Allen adora las ciudades y el entorno que proyectan. Primero fue su Nueva York natal, como narra su voz en off en Manhattan (1979): "Capítulo primero: él adoraba Nueva York, la idolatraba de un modo desproporcionado"; con películas como Annie Hall (1977), Manhattan (1979) o Hannah y sus hermanas (1986), y un cine de autor que se forjaba con nombre propio basado en Estados Unidos. Pero en la última década, Woody Allen ha trasladado sus rodajes a Europa: Londres (Match Point, 2005 y Scoop, 2006), Barcelona (Vicky, Cristina Barcelona, 2008), París (Medianoche en París, 2011) o Roma (A Roma con amor, 2012) retratan el "Viejo Continente" y exhiben en la gran pantalla los principales lugares emblemáticos de las capitales europeas desde la particular óptica del cineasta de Brooklyn. 

Falta de financiación en EEUU, oportunidades para Europa

La falta de financiación en Estados Unidos y las ofertas de mecenazgo de las productoras europeas (entre otras, MediaPro es la principal productora de Vicky Cristina Barcelona y A Roma con Amor) son la principal motivación para este "tour europeo" de Woody Allen, que ha abierto la posibilidad de proyectar las ciudades europeas hacia un público cada vez más amplio. 

City marketing: Woody Allen y un retrato que 'vende' las ciudades europeas

La ciudad se convierte en un elemento central en el cine de la última década de Woody Allen. Su fuerza es tal que adquiere una identidad propia.

La ciudad que muestra la cámara de Woody Allen es un recorrido turístico por lugares emblemáticos, turísticos e icónicos de algunas de las principales ciudades europeas. Un recorrido a modo de postal, visto desde la perspectiva romántica de un turista americano fascinado por la variedad que ofrecen las ciudades europeas.

Woody Allen edifica la ciudad- marca desde su perspectiva como cineasta-autor, y juega un papel fundamental a la hora de posicionar las ciudades en el imaginario colectivo. El director hace un poderoso place branding de las ciudades europeas en el que la narración enamora al espectador con la ciudad, trasladando así la visión del cineasta.

Promoción del cine, promoción de las ciudades

A su vez, aprovecha para rendir homenaje al cine europeo (Match Point rinde tributo al cine de Hitchcock, máximo exponente del cine británico, en A Roma con amor imita las comedias de enredo italianas y en Medianoche en París idolatra la época dorada de la cultura en el París de los años veinte), arraigándose en la cultura del país y así uniendo a turistas y locales en films que tienen mucho que decir en a qué asociamos las ciudades europeas tras visitarlas o revisitarlas en el cine que presenta Woody Allen. 

Memento (Nolan, 2000)

Sinopsis: Leonard ha perdido la memoria reciente a causa de un accidente en el que falleció su mujer. Durante la película, tratará de recomponer su vida y descubrir quién es en realidad y quiénes son las personas que le rodean a través de instantáneas en Polaroid; e intentará encontrar al asesino de su mujer gracias a una serie de notas que va tatuando por su cuerpo. 

Opera prima de Nolan

Con esta película se estrena como director y guionista el británico Christopher Nolan, haciendo una notable exhibición de potencialidad creativa como autor. Y es que sin duda, en Memento, Nolan adquiere la postura del Dios- narrador, ya que sólo él sabe cómo van a desarrollarse los acontecimientos dentro de la narrativa, y el espectador tendrá que reconstruir y componer la historia de los fragmentos de la narración.

El espectador (también) juega a recomponer el puzzle

El film, una exploración de la pérdida de la memoria reciente, no deja indiferente al espectador, que, al principio, se enfrenta al mismo problema que Leonard, el protagonista, y que lo acompañará en la búsqueda incesante de comprender aquello que le rodea y vengar la muerte de su mujer.

El espectador se convierte en parte activa del plot, y, tan desorientado como el propio protagonista, y se involucra en su mundo. 

Nolan propone un modelo de pregunta/respuesta al espectador, y le "obliga" a seguir la reconstrucción con Leonard pese a saber que el origen de sus convicciones está equivocado. En ese sentido, el director juega con el espectador y le posiciona en la compleja reflexión sobre la naturaleza de nuestras convicciones, sobre la manera que tiene el ser humano de tratar de comprender aquello que le rodea. 

Asimismo, Leonard se "confiesa" ante el espectador en voz en off en busca de respuestas y como intento desesperado de recuperar su identidad y su vida, una vida que ya no va a poder recuperar. 

Narración fragmentada y flashback, blanco y negro y color

Nolan se vale de una serie de elementos para trasladar al espectador a algún lugar dentro del protagonista. La película, como adivina el espectador tras el primer "corte" narrativo, está expuesta como si el espectador tuviera el desorden de memoria que presenta Leonard. 

Durante las secuencias (breves, como la memoria de Leonard) en BLANCO Y NEGRO, la narración es presente y avanza, mientras que en las secuencias en COLOR, el espectador está en la mente de Leonard y su narración es fragmentada. 

El director juega con la construcción narrativa formal (espacio-tiempo) falsificando las posibilidades y creando un laberinto de la línea temporal. Y juega con sus personajes (en la pantalla) y con el espectador, a través de la identificación con el protagonista.  

Corre Lola, Corre (Twyker, 1999)

"El hombre, la especie más misteriosa de nuestro planeta. Un misterio cargado de incógnitas: ¿quiénes somos?¿de dónde venimos? ¿adónde vamos? ¿cómo sabemos lo que creemos saber? ¿por qué creemos en algo? Un sinfín de preguntas que buscan respuesta. Una respuesta que planteará una nueva pregunta y su respuesta a su vez una nueva pregunta (...). El juego dura 90 minutos. La pelota es redonda. ¡El resto son teorías!"

Con esta profunda reflexión sobre la naturaleza del ser humano, Twyker nos presenta una peculiar película de acción incapaz de dejarnos indiferentes. 

Localizada en un Berlín postmoderno de los años 90 tras la caída del muro, el director nos presenta una película que emula la realidad de los videojuegos y muestra cómo la vida es una eterna mezcla de posibilidades y coincidencias en las que el capitalismo (dinero y droga) son los dos ejes de crítica que ejerce la película. 

La manipulación del tiempo confiere notoriedad a esta obra postmoderna fragmentada, en la que la vida se sucede una y otra vez de manera circular, y en la que las coincidencias (el azar, en definitiva), determinan el destino de nuestra (nada típica) heroína).

Franka Potente es Lola, una heroína a lo Lara Croft con el pelo rojo y que está involucrada en negocios de droga. Debe devolver el dinero o la droga perdida y todo el film gira en torno a qué va a hacer (en las tres veces que lo intenta como si de un videojuego se tratara, Game Over y empieza de nuevo) para conseguirlo. Ella va bien acompañada por su leitmotiv, la BSO compuesta expresamente por Twyker para la película y cantada por la propia actriz.  

¿Por qué ver Corre Lola, corre? Porque es un experimento fílmico que llega al espectador y que no deja a nadie indiferente. Por su estilo narrativo (la historia fragmentada y repetida y que mezcla cartoons con la vida real) y estilo visual (punk rebelde de los años 90. Ideal para retomar fuerzas y sentir que puedes comerte el mundo, hecho que se refuerza por su BSO de pura adrenalina). Pero también por los temas que subyacen a la película, Política e historia determinan el fatal destino de nuestra sociedad contemporánea.