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sábado, 20 de febrero de 2016

La juventud (Sorrentino, 2016)


Después de llevarse el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa en 2014 por 'La gran belleza', el director napolitano regresa a la gran pantalla con una obra que sorprenderá por su extraordinaria conjugación de contenido y forma. 
Dos artistas en un retiro emocional Michael Caine, que interpreta a un director de orquesta jubilado, y Harvey Kittel, director octogenario aún en activo, harán una reflexión sobre el proceso de envejecer en una idílica residencia en los Alpes. 

La introspección en los personajes es uno de los principales puntos clave de este film, por un lado, su manera de narrar el final de sus vidas, esa dolorosa reflexión hacia el pasado, hacia todo lo que quedó por hacer, esa nostalgia por los tiempos pasados que comparten dos amigos de la infancia, el anhelo por la juventud. Y por otro, la sutil posición en la que pone al espectador, a la vez cómplice de la relación entre los ancianos, a la vez observador, con una fuerte identificación con el punto de vista de los personajes, la mirada que se posa sobre el resto impregnada de ese humor amargo, lento, como el transcurrir del día a día en el lujoso resort.  Y es que el cast no se queda corto de celebridades, entre las que hacen aparición estelar Jane Fonda, Rachel Weisz, la cantante Paloma Faith. Maradona o la top Madalina Ghenea en un cameo. 

Retomando los excesos y excentricidades propios del esperpento, la narración fílmica es una delicia. Desde los planos en los que la naturaleza cobra fuerza como elemento fundamental en la narración, esa forma de cine como arte contemplativo, hasta la pesadilla de Rachel Weisz que es un videoclip postmoderno, una genialidad en sí misma. Muy medido está también el tempo, el lento transcurrir de los minutos en el circo que se ha convertido la residencia de lujo. 
¿Y cómo iba a faltar la música en un film de Sorrentino? Sensorial y constructora de la atmósfera. 

jueves, 14 de enero de 2016

Joy (O'Russell,2016)


David O'Russell nos trae una historia sobre la superación personal, sobre la lucha por un sueño, el mismo propio sueño americano que puede convertirse en pesadilla. O'Russell nos trae una historia diferente, quizás de lo mejor que ha producido en los últimos años, una historia que trata lo duro que es seguir levantándose y cayéndose para lograr hacer dinero a partir una idea en Estados Unidos.
Y da el punto de vista de todas las verdades. De las hipotecas. De las noches sin dormir. De perder dinero. De la lucha con los proveedores. Del apoyo y no apoyo familiar. Basada en una historia real, la de Joy Mangano, el film nos lleva por una serie de desventuras que culminan, con el sueño cumplido.

Brillante Jennifer Lawrence

Una historia personal a la que pone cara una brillante Jennifer Lawrence que exhibe un registro de actuación que la consolida como una de las jóvenes promesas del cine americano. Ella es Joy, y ella es la persona con la que el film cobra sentido, en un ejercicio que muestra una evolución del personaje (Joy es luchadora, constante, pero también se derrumba, se colapsa por ser incapaz de conciliar su vida familiar) que le ha valido una nominación a los Oscar del próximo 28 de febrero.

 Momentos memorables

Si bien el film no destaca por su grandiosidad, quizás es el guión, quizás que la historia verdaderamente no da para más, sí hay algunos momentos de grandeza en el film del considerado "pseudointelectual" David O'Russell:
  • La atmósfera que enclaustra al personaje de Joy, colapsada por su vida familiar, está minuciosamente creada. El espectador verdaderamente siente cómo se siente Joy ante esa situación, llevada a la pantalla desde el tono de comedia, y sin embargo igualmente opresiva-
  •  La parodia de cómo se venden los productos en la teletienda. Creo que esas secuencias son excelentes.
Quizás es uno de los puntos más sobresalientes de O'Russell en este film: su parodia pseudodocumental, cuasi realista de cómo funciona la teletienda. La puesta en escena es una joya: cómo el asesor de marketing recorre los platós con Joy y le explica cómo funciona, el storytelling real que hace la propia Joy (¡bravo, Jennifer Lawrence!) que atraviesa la pantalla del televisor (la del espectador que la ve), y la del  espectador en el cine.

lunes, 4 de enero de 2016

Steve Jobs (Danny Boyle, 2016)


Frenético ejercicio 

Quién mejor que Danny Boyle, bajo un guión del reconocido Aaron Sorkin, para llevar a la gran pantalla al genio del S.XXI. No se trata de hacer una biografía. Eso podría hacerlo cualquiera. El director británico sorprende con brillantez trasladando al espectador al frenético momento del genio, ese minuto detrás de cada uno de los extraordinarios discursos y, cómo no, ese marketing que ha convertido a Apple en un universo. 
Sin duda las escuelas de cine estudiarán este film por su arriesgada e innovadora puesta en escena. Más allá de los planos imposibles de salas abarrotadas, ángulos que cubren casi la totalidad de la pantalla y que envuelven, y otros planos en los que la persona-personaje Steve Jobs ocupa un primerísimo casi impositivo plano, hay dos recursos narrativos sublimes en el film de Boyle.

El primero es una consecución de plano-contraplano en conversaciones entre Steve y su jefe en Apple, encarnados por Michael Fassbender y Jeff Daniels respectivamente. 
La situación espacio-temporal del film es disrrumpida por dos conversaciones, la que tiene lugar en el tiempo real, y otra que hace referencia a un momento temporal anterior y en el que ambos personajes tomaron decisiones cruciales en el futuro de la compañía y que divergen de la mente creadora de Jobs. Los plano-contraplano se concatenan, creando una conversación totalmente diferente y a la vez completa del momento real, y rompiendo todos los esquemas clásicos de la creación cinematográfica. El espectador siente que las imágenes lo bombardean, y a la vez, las palabras, tienen un sentido completo. Esa increíble manipulación de la narrativa fílmica con la excelencia de lograr un recurso brillante (y repetido a lo largo del film) es una magnífica aportación a uno de los primeros films de 2016.

La segunda gran innovación de Danny Boyle es la utilización del formato (IPad) integrado en la propia película. Es, sencillamente, sublime. Las imágenes de las noticias y los avances se encadenan, como si el propio usuario de un Ipad deslizara su dedo atravesándolas, deslizándolas antes los ojos del espectador en la gran pantalla.

Aaron Sorkin, el hombre ideal para el dueto

El film es una de las grandes maravillas en cuanto a forma, pero el contenido, esa adaptación de Aaron Sorkin del 'biopic', tampoco queda alejado. La narración se desarrolla en momentos específicos, los minutos cruciales antes de las archiconocidas conferencias de Jobs en distintos lugares emblemáticos de Estados Unidos. Ese corsé, sirve de pretexto y encaja al espectador en un claustrofóbico espacio. La tensión, abre paso a flashbacks en la vida de Jobs, a través de otros personajes. A modo de álbum multimedia de recuerdos, Sorkin nos invita a un paseo por algunos de los momentos que han marcado la vida de Steve Jobs. Una narración central que despliega sus tentáculos, para siempre volver al epicentro, y avanzar a otro epicentro.


Michael Fassbender, polifacético

Fassbender se ha convertido en la apuesta segura de Hollywood, el chico sexy polifacético del paseo de la fama. Desde su impresionante interpretación del obseso sexual en Shame (2011), pasando por papeles destacados en Inglorious Basterds, A dangerous method, 12 years a slave, este 2016, Fassbender brilla con luz propia en Macbeth y en este film, tan variados y diversos como las cualidades innegables y excelentes del actor. Esperemos que este 2016 le traiga todo el reconocimiento a esta trayectoria.


viernes, 16 de octubre de 2015

El desconocido (Dani de la Torre, 2015)


Poco hay de novedoso en la historia de 'El desconocido'. Un banquero que ha estafado a sus clientes con las preferentes y que es amenazado con volar por los aires, junto a sus hijos, por una bomba de fabricación casera. El thriller, quizás, suena a historia conocida. Adaptada al tejido social español, al clima de indignación, a la crisis, a las historias humanas. Y, sin embargo, una historia conocida pero que el director gallego Dani de la Torre ejecuta en mayúsculas, elevando a nuestro cine de acción español y al thriller a niveles antes "desconocidos".

Impecable Luis Tosar

Luis Tosar ya viene siendo una constante de nuestro cine. El actor puede presumir de ser una de las caras más conocidas del cine español, construyendo su repertorio fílmico con interpretaciones que lo han convertido en uno de los rostros del cine español contemporáneo (La Comunidad, Los lunes al sol,  Te doy mis ojos, Celda 211, También la lluvia, El niño, Musarañas, Mientras duermes...).


Y en cada papel, de nuevo nos sorprende por su versatilidad incansable. Tosar le da magia al banquero encerrado durante todo el film en el todoterreno. Cada gesto y cada mirada crean esa complicidad con el espectador, al que obliga a permanecer allí, a su lado, en el asiento del copiloto, claustrofóbico, hasta el final. 

Ejecución, planificación y montaje

Dani de la Torre nos trae en su ópera prima un ejercicio de estilo en un film de acción "a la española" que poco tiene que envidiar al americano. Desarrollado al completo en el centro de la ciudad de
A Coruña, cuenta con planos espectaculares, aéreos, persecuciones, explosiones... Y todo mientras Tosar sigue al volante de un coche incluso sin las cuatro puertas.

Te gustará si...

No buscas una gran historia y te dejas envolver por la magia del thriller que nos ofrece el director gallego. Porque demuestra un extraordinario "savoir- faire" cinematográfico y forma parte de un grupo de films que están cambiando la concepción del cine de acción made in Spain. 

sábado, 3 de octubre de 2015

Mientras seamos jóvenes (Baumbach, 2015)




Noah Baumbach hila este film de manera reflexiva, inteligente, humorística y creativa, la brecha generacional entre dos "eras" tecnológicas irreconciliables en una comedia con mucho trasfondo, que explora la vida en pareja pasados los cuarenta. 

Generación X vs. Generación Z

Josh y Cornelia (Ben Stiller y Naomi Watts) son una pareja neoyorkina de creativos felizmente casada que inaugura la cuarentena sin hijos. Sin hijos mientras el resto de sus amigos y personas más cercanas tienen hijos. Mientras se sienten estancados profesionalmente. Mientras que empiezan a ser demasiado viejos para ser jóvenes.
Es en estas circunstancias en las que conocen a la entusiasta pareja neohipster formada por Jamie (Adam Driver) y Darby (Amanda Seinfield), que rompen sus esquemas y les abren nuevas perspectivas de ocio, de pensamiento, tecnológicas, y... morales.

Este film, que parece tratar una historia cotidiana de dos parejas cuyos destinos se cruzan, desemboca en una reflexión mucho más profunda sobre el desencuentro entre lo viejo y lo nuevo, que mezcla lo tecnológico y lo vintage,  sobre la cultura como elemento de manifestación de status y clase social, y lo "cultureta", la aspiración intelectualoide de la mediocridad. Baumbach reflexiona sobre la autenticidad y la imposición de las tribus urbanas, sobre ese momento en el que dejamos de ser jóvenes y lo que la sociedad espera de nosotros independientemente de nuestra voluntad individual. 

También muestra una crisis de pareja a los cuarenta, una crisis existencial, una crisis profesional.  Es un momento en el que se abre esa brecha insalvable en la que tanto Josh como Cornelia desean volver a la veintena, y el tiempo no vuelve atrás...




martes, 28 de julio de 2015

'Watch Me Move' en Fundación Canal

Hasta el próximo 23 de agosto en Fundación Canal 

Desde las primeras 'Silly Symphonies' de Walt Disney, pasando por las entrañables figuras archiconocidas de Betty Boop o Mickey Mouse, hasta las últimas novedades de Pixar ('Los Increíbles', 'Toy Story 3') , al cine más futurista ('Tron') o el anime japonés ('Akira', 'La princesa Mononoke'), esta exposición es un extenso recorrido sobre la producción de animación de los últimos 150 años.

Los cortos de animación, concebidos en sus orígenes como un elemento de entretenimiento, evolucionan a otros ámbitos como el cine y el arte contemporáneo, convirtiéndose en un fenómeno cultural y sobrepasando su función inicial.

Tras una primera parte, en la que se reflexiona sobre los orígenes de la imagen en movimiento ('Apariciones'), centradas en el cuerpo en acción, el visitante podrá deleitarse con 'Personajes', fragmentos que recorren la historia a la animación desde los años 30 a través de algunos de los más carismáticos personajes aún en nuestros días. Mickey Mouse, Tom y Jerry, Betty Boop, Los Picapiedra, el Oso Yogui, los Simpson o South Park son algunos de los protagonistas en esta primera sección. En esta etapa se aprecia cómo cada personaje se caracteriza por una amplitud y profundidad, que es lo que los ha convertido en iconos de nuestra cultura contemporánea. 
En esta sección, adultos y niños comparten y disfrutan de entrañables fragmentos que muestran esa primera voluntad de la animación de dirigirse a un público masivo con los inicios de la televisión, concebida para el entorno de los hogares y como un modo de entretenimiento para toda la familia. 

La tercera sección, 'Héroes' , nace en la posguerra, y es consecuencia de las heridas de la guerra. Los antes alegres personajes, ahora se sustituyen por la búsqueda del individuo invencible, con poderes extraordinarios y cuya función de superhéroes incluye salvar a la humanidad. Entre ellos, encontramos a los superhéroes de los cómics de Marvel, mientras que Japón configura su ropio catálogo de superhéroes a través del manga y del anime.

En 'Fábulas y fragmentos', el espectador vuelve a los orígenes de la propia naturaleza humana: contar historias. La animación recorre mitos, fábulas, cuentos de hadas y otras narraciones en este área, dedicada entre otros al talento de Tim Burton.

Finalmente, 'Visiones' cierra el círculo (el recorrido real desde los orígenes de la animación, y la exposición, que se extiende circularmente), con la aplicación de nuevas tecnologías a la animación para transportarnos a una esfera virtual totalmente nueva. "Gracias al asombroso realismo de las tecnologías CGI (Common Gateway Interface- Interfaz de entrada común-) y a la capacidad de persuasión de las técnicas de los nuevos medios, el mundo virtual es hoy casi inseparable del nuestro, con lo real y loimaginario en continua fricción."


Sin duda, una exposición divertida para pequeños y mayores, en la que se hace un interesante recorrido por la historia del cine de animación, y en la que se reflexiona sobre la propia naturaleza del género.
Además, la Fundación Canal ofrece una serie de actividades para los más pequeños, que les adentrarán en los propios orígenes del cine. 

domingo, 10 de mayo de 2015

Sexo fácil, películas tristes (Flah, 2015)



Este film es el resultado de los frutos del programa Ibermedia, que promueve la coproducción entre países de habla hispana. Esta película hispanoargentina nos presenta una reflexión sobre la comedia romántica, sobre el amor, sobre la vida.

Una historia dentro de otra historia. Un guionista argentino, Pablo (Ernesto Alterio), recibe el encargo de escribir un guión de comedia romántica que se rodará en España, en un momento de plena crisis de pareja. 
El film inserta un relato dentro del otro y las historias se suceden paralelas, que es la principal fortaleza de esta película. Por un lado, la vida real, las complicaciones del amor, de las parejas, de personas que cambian y evolucionan con el tiempo: la historia del guionista, en Argentina. Por otro, la idealización del amor, que es la esencia misma de la comedia romántica. Marina (interpretada por Marta Etura) y Víctor (Quim Gutiérrez) interpretan a esa joven pareja enamorada, con sus dificultades y discusiones, pero que está destinada a estar junta. 

Todo el film está plagado de guiños a la propia industria del cine. En un pitching inicial, Pablo nos adelanta la sinopsis del guión en el que está trabajando, mezclando en la coctelera todos los elementos que son necesarios para el género de la comedia romántica.

Las dos historias mantienen la estructura clásica de los tres actos, el espectador se inquieta, introducción, nudo y desenlace, ¿finales felices?
Además, por exigencias de la productora, también nos explica por qué las localizaciones del film se incluye tal y como la vemos, o las dificultades económicas que atraviesa la industria del cine en los países hispanos, que acaba rindiéndose al capital.

Madrid. Una comedia 'indie' que pretende alejarse de lo mainstream y que hace un recorrido por el Madrid de Malasaña, por las librerías hipster, por calles y lugares que resultan conocidos sin caer en la obviedad de los grandes lugares emblemáticos.

En tonos pastel. La estética con la que se define la historia que nos narra, desde su amargura, Pablo, nos traslada desde un gris Buenos Aires a un Madrid en tonos azul y pastel. Y es que toda la parte de la película que se desarrolla en Madrid adquiere esa tonalidad de ensueño, de saturación de colores, vida dulce.
El cast. A nadie dejará indiferente la pasión de un Quim Gutiérrez loco de amor y a la vez tan realista, la dulce Marina, encarnada por Marta Etura, y su vida en común. El espectador vivirá las frustraciones y desengaños (en la vida y en el amor) del personaje de Ernesto Alterio, Pablo, el guionista argentino que oscila entre la ingenuidad y la madurez intelectual.

Sin duda una película diferente, una apuesta fuerte del cine español y argentino por una comedia amable, sencilla, y en la que el espectador saldrá con una dulce amargura de emociones. 

viernes, 1 de mayo de 2015

¿El regreso del cine musical?

En los últimos años hemos presenciado el regreso del cine musical a nuestras pantallas. El cine español se arriesgó en 2002 con la mítica El otro lado de la cama (Martínez Lázaro, 2002), una comedia musical que reunía a algunos de los grandes actores españoles (Ernesto Alterio, Paz Vega, Alberto San Juan, Natalia Verbeke). 
La comedia romántica se endulzó de nuevo con una banda sonora conocida, Mamma mia (Lloyd, 2008), recordaba las mejores canciones del grupo ABBA acompañando a un guión de amores y desamores clásico de la comedia romántica a ritmo de melodías que los espectadores podían tararear.
Les miserables (Hooper, 2012) fue la adaptación de un musical que más galardones logró (3 Oscar: Mejor Actriz de Reparto para Anne Hathaway, Mejor Vestuario y Mejor Sonido), reivindicando que la readaptación del género había venido para quedarse. 
De nuevo, este 2015 llega a nuestras pantallas una nueva apuesta de musical que nos llega de Reino Unido, en la línea de Mamma Mia, con la hibridación de la comedia romántica y el musical.
Todas las canciones que se hicieron populares en los años 80 llegan a las pantallas en una comedia de enredos coreografiada: Walking on sunshine (Giwa&Pasquini, 2015), de la mano de la popular cantante británica Leona Lewis.




Enérgica y "rosa" en su estética, recuerda a su predecesora, Mamma Mia. Una comedia que pretende endulzar la llegada de la primavera y llevar al espectador a soñar con lugares paradisíacos y amores imposibles, acompañada de unas coreografías de estética Disney. Entretenimiento ligero que nos hace anhelar el regreso de clásicos como El mago de Oz, Mary Poppins o Sonrisas y lágrimas. 

jueves, 23 de abril de 2015

¡Móntate tu Película!

Por quinto año consecutivo, Catalana Occidente Seguros propone una inmersión en el mundo del cine con su concurso "Móntate tu Película".


Este concurso te invita a elegir tu rol dentro de la industria cinematográfica (actor, cámara, crítico o guionista) para participar a través de una App.

Un fuerte impulso para acercar de nuevo al público joven al cine, a entender la industria (¿cómo se hace el cine) y a divertirse descubriendo y colaborando activamente en las películas.  

La asociación positiva de los jóvenes, la afección por el cine y el posicionamiento de la marca

En 20l0, cuando surge este concurso, el cine en España se enfrenta a uno de sus peores años a nivel de espectadores. Empezaba una década de fuerte declive en la exhibición (lo peor estaba por llegar en 2013).
Datos: ICAA (2013)

¿Eran las descargas ilegales? ¿Acaso los precios habían subido? ¿O era simplemente que no gustaba nuestro cine?

El posicionamiento de la marca. En este contexto, Catalana Occidente identifica a un tipo de público: el público joven, al que acerca el cine, y a la vez lo acerca a su marca. Sin duda una extraordinaria estrategia de marketing de asociaciones positivas y, por qué no, una oportunidad para nuevos talentos de (re)descubrir el cine.

martes, 21 de abril de 2015

¿Imaginas estas películas sin su banda sonora?

A lo largo de la historia del cine, muchas bandas películas han caracterizado e incluso dotado de personalidad propia a las películas.
Seguramente, no imaginamos la mítica secuencia de 'Psicosis' en la ducha sin su banda sonora, como tampoco imaginamos otro clásico, el duelo a tres de 'El bueno, el feo y el malo'. Seguramente, 'Amelie' no sería la misma sin la dulzura de su BSO, ni el principio de 'Toy Story' sería igual sin su mítica 'You've got a friend in me' mientras Woody se desliza escaleras abajo hasta casi volar.
'El resplandor' tampoco sería lo mismo sin su música de tensión, ni Vito Corleone sin los compases del  clásico 'Waltz'.
No he puesto ni una sola de las canciones anteriores y, sin embargo, sé que los que leéis las tarareáis en vuestras cabezas.
El sonido, a menudo ese gran olvidado del cine.
Me gustaría, poco a poco, compilar estas míticas (y no tan míticas) Bandas Sonoras que tanto han dado a la historia del cine. Esas canciones, compases, palabras, que dicen tanto o más que las imágenes a las que acompañan. Porque al final siempre son eso, un actor secundario que acompaña; la sombra que nadie echa de menos hasta que el silencio sobrecoge la pantalla. Esos acordes que se instalan en nuestras mentes, que retinan y que se niegan a deslizarse fuera de nuestro imaginario.

Hoy os dejo con una de esas grandes desconocidas. La BSO que pertenece a 'Les amours imaginaires' de Xavier Dolan. Es un leit motiv en la película que construye la secuencia casi con tanta fuerza narrativa como la propia imagen.






jueves, 19 de marzo de 2015

Maps to the stars (Cronenberg, 2015)



Sinopsis- David Cronenberg presenta una glamourosa coctelera del panorama hollywoodiense actual. Su  'mapa de estrellas' pivota desde la excéntrica actriz Havana Segrand (Julianne Moore), sobre la que empiezan a pesar los años, para presentar un recorrido satírico por las extravagancias y locuras del microcosmos que es el propio Hollywood. 

Cronenberg propone un escalofriante paseo por el "Paseo de la Fama", una macabra galería de vicios y perversiones que combinan el humor negro y un drama familiar salpicado por esquizofrenia, piromanía e incesto, aderezado con una violencia latente que se construye silenciosa y ataca discreta e inesperada y culminado por las alucinaciones con  fantasmas del pasado. 

Agatha (Mia Wasikowska) aterriza en Hollywood de la mano del conductor de limusinas Jerome (Robert Pattinson), un joven que aspira a convertirse en famoso gracias a sus suculentos guiones y que es la figura que encarna al guionista del propio film, Bruce Wagner. Ambos 'outsiders' acercan al espectador a la realidad y el caos de las estrellas hollywoodienses en un viaje por el caos de un mundo en el que la rehabilitación de las drogas de las estrellas adolescentes y el pseudoespiritualismo conviven con el pánico por envejecer encarnado en la angustia de Havana. 

La innovadora forma de presentación de los personajes es quizás uno de los puntos más fuertes del film, y cómo cada una de las piezas acaba encajando y reordenándose. La misteriosa Ágata, la excéntrica Havana, su doctor/fisioterapeuta/terapeuta espiritual Dr. Stafford (John Cusack), y el joven bieberiano Benjie (Evan Bird), que se reincorpora al mundo del espectáculo tras un intenso verano de 'rehab'.

Destaca la ejecutación impecable de la actuación de Julianne Moore encarnando la decadencia física, moral y sexual de una actriz que está acabada y sus alucinaciones freudianas.

Y el espectador queda cautivado con la aparición de Mia Wasikowska, un personajes trastornado, mutilado, una criatura misteriosa y gótica que el espectador desconoce incluso más allá de los créditos finales. 

Ambas dirigen y definen la melodía de un film que deja atrás la visión del salón de la fama hollywoodiense de los clásicos Sunset Boulevard (Wilder, 1950) y Todo sobre Eva (Mankiewick, 1950), para acercarse más al universo inquietante de Mulholland Drive (Lynch, 2001). Un viaje que zarandeará al espectador en su butaca, debatiéndose entre la risa y lo bizarro, sintiendo la tensión y, sobretodo, la incomprensión de todas esas atormentadas estrellas del mapa. 

lunes, 9 de marzo de 2015

Dos días, una noche (Dardenne, 2015)



Sinopsis- Sandra está a punto de reincorporarse a su trabajo tras unos meses de baja por depresión cuando recibe una llamada que le comunica que está despedida. Tras el fin de semana, sus compañeros votarán de nuevo si puede reincorporarse a cambio de perder todos su paga extraordinaria. Sandra emprenderá un viaje el fin de semana en el que buscará convencerlos de que renuncien al dinero con tal de que ella no se vaya al paro...

Aparentemente una historia sencilla que transcurre en un fin de semana, trata con una inmensa fuerza la denuncia social. Los hermanos Dardenne muestran en este film una de tantas historias cotidianas de despidos y problemas sociales, de desolación y de solidaridad laboral, de problemas económicos, de familias que afrontan situaciones, de empresas que miran sólo por el beneficio económico.
El film muestra como Sandra debe ir a visitar uno a uno a sus compañeros y pedirles que renuncien a su paga a cambio de que ella pueda quedarse. En este viaje, que también será un viaje para encontrarse a sí misma, descubrimos un retrato social de la crisis económica a través de familias que luchan por sobrevivir día a día,  la solidaridad, la multiculturalidad y la fuerza de los seres humanos.

domingo, 15 de febrero de 2015

The imitation game (Descifrando Enigma) (Tyldum, 2015)

Sinopsis- El director británico Morten Tyldum rinde homenaje a uno de sus compatriotas más célebres de todos los tiempos, Alan Touring, célebre físico que fue capaz de descifrar los códigos nazis y así poner fin a la II Guerra Mundial, con esta cinta biográfica en la que se ensalza el héroe incomprendido tras el genio.

Vuelve un tema recurrente, el de las grandes Guerras visto desde el prisma de Reino Unido en los años 40. Un invento: una máquina que sea capaz de descifrar los códigos del ejército nazi. Un obcecado físico cum laude que cree en las matemáticas más allá de la capacidad humana. Un incomprendido, cuya atormentada vida y reprimida homosexualidad ocultan a un genio, quizás uno de los grandes genios que tuvo Europa en el siglo XX.

La historia se narra en tres tiempos. El momento actual se desarrolla en los años 50, una investigación policial severa se cierne sobre un Touring desapercibido y minucioso; los años 40, durante su invención de la máquina que logrará descifrar Enigma, y sendas alusiones a una infancia triste de acoso y discriminación por su condición intelectual y sexual. Los tres tiempos se entrelazan entre sí para encajar en un enigma, el de la propia vida de Touring, y llegar a su trágico final. 

La escenografía y el vestuario completan con exquisitez y detalle el retrato de un Londres de época, revelan el paso de una devastadora tragedia con cruda delicadeza. La ambientación se ajusta a la temática y culmina con la inmejorable interpretación del dúo Benedict Cumberbatch- Keira Knightley.


Por fin llega a las pantallas el homenaje que su país nunca rindió al genio. Alan Touring: Descrifrando Enigma.

  



martes, 13 de enero de 2015

Magia a la luz de la luna (Woody Allen, 2014)

Sinopsis- Stanley (Colin Firth) es un afamado mago a nivel mundial en los años 20. Un viejo amigo de la infancia le cuenta que, en su lugar de veraneo del sur de Francia, ha llegado una joven americana (Emma Stone) con dotes de vidente. Stanley se propone desenmascarar a la farsante en una aventura romántica que le llevará por la Costa Azul.

Encantador escenario: la Costa Azul francesa, años 20

El film, ubicado temporalmente en los años 20, muestra el deslumbrante esplendor de un verano en la burguesa Costa Azul en Francia en un recorrido por unos paisajes naturales deslumbrantes y soberbios con una luz natural minuciosamente medida.
La época que narra también destaca por su estética, tanto por el vestuario como por la atmósfera que recrea: las clases altas y sus fiestas, su derroche, su gusto por los placeres y los lugares idílicos. Hay algo que recuerda innegablemente a Medianoche en París, pero también hay ecos del Gatsby de Fitzgerald, o de Daisy Miller de Henry James, que perfectamente podría ser Sophie, la vidente.

Creencia, misticismo, magia y religión


El relato detrás de la comedia de enredos que nos propone esta vez Woody Allen es mucho más profundo de lo que las apariencias proponen. El momento histórico con el que coincide trae consigo reflexiones sobre la existencia y el más allá, sobre la religión frente a la racionalidad, la lógica frente a la magia, los límites del conocimiento humano. 
La magia (el truco) siempre está presente, el angaño, el artificio, la mentira. Pero no nos queda más remedio que vivir, con todo esto, para ser felices. 

Un clásico de la comedia romántica: el triángulo amoroso

Woody Allen flirtea con el clásico lío amoroso entre dos opuestos irreconciliables en un cuento en el que parodia al bardo trovador, enamorado burgués embelesado por la belleza de su amada, y cuestiona los valores ético-sociales en la figura de Sophie.
De nuevo opone lo racional a lo pasional, jugando con el engaño y desenmascarar al desenmascarado desde el primer momento.

Una de las obras menores de Woody Allen en los últimos tiempos, aunque con una estética y una localización dignas de una obra maestra. 

jueves, 8 de enero de 2015

¿Va a cambiar Netflix la manera de consumir cine en España?

"En España se ve más audiovisual que nunca"

Hace un par de años, hablando con Benito Burgos, asistente de la Directora del ICAA, me dijo esta frase que no se me va a olvidar nunca. 
Es cierto, somos grandes consumidores de productos audiovisuales en España (series, películas...), algunas descargadas de manera legal, otras de manera ilegal, algunas visualizadas online, pagando (o no) por el contenido. 

El modelo de consumo de cine está cambiando

Primero llegó la irrupción de cine a la televisión de pago (Canal+), a la que pronto se unió el Vídeo Bajo Demanda, el consumo-cuando-yo-quiero que posiciona al espectador como señor y rey de la gran pantalla de televisión. Luego llegó la oferta de televisiones por cable e internet (ONO, Imagenio, Orange TV...). 

El visionado de cine ahora se entiende más como un hecho individual y en el entorno del consumo doméstico que como un hecho colectivo, la experiencia de asistir a una película. 
Varios factores explican esto:
  • La proliferación de avances tecnológicos en el ámbito doméstico (TV de plasma de dimensiones inimaginables, Home Cinema, Altavoces que nada tienen que envidiar al cine...) que permiten disfrutar de la alta calidad tanto de imagen como de sonido.
  • El encarecido precio de las entradas de cine que, salvo en ofertas, oscila sobre los 9€. 
  • Cambio en la percepción del objeto de consumo. Ya no es el hecho de consumir "ir al cine", sino de consumir películas, series...El valor reside en los contenidos, y se pueden consumir de manera colectiva o individual indistintamente.

Todo esto nos lleva a una nueva esfera, la del cine en internet pay-per-view, como en uno de esos nostágicos videoclubs, en la que existen varios actores que ofrecer el visionado/alquiler/disfrute de un contenido previo pago del mismo, a precios reducidos. Ejemplos de ello son Filmin, con un amplio catálogo de cine de ayer y de hoy, Nubeox (de Grupo Antena 3) o Yomvi (de Canal+), ITunes, FilmoTech... Y es en este grupo de actores en el que entra en juego Netflix. 

Netflix pretende saltar al campo en Europa este 2015

En España, llega tras la aprobación de la reforma de una ley a caballo entre la protección de la propiedad intelectual y una cruzada antipiratería, también conocida como el 'tasazo Google', por el cuál los agregadores de contenidos (tales como las webs que exhiben o enlazan cine) deberán pagar a los titulares de los derechos de autor por la exhibición de sus obras.

Además, también llega tras el mejor año (en cifras) de la historia de consumo de cine en salas de cine en España, lo cuál revierte (aunque en pequeña medida) la tendencia de los hábitos de visionado.

Quizás no sea el escenario ideal para un nuevo agente cinematográfico, pero la versatilidad que Netflix ha mostrado en su natal EEUU lo sitúa en el punto de mira este 2015.

Seguiremos informando... 

martes, 30 de diciembre de 2014

I Origins (Cahill, 2014)

alardonada por el jurado de esta 47 edición del Festival de Sitges como mejor película de la Sección Oficial Fantástica a competición

Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2263598/0/palmares/pelicula/sitges-2014/#xtor=AD-15&xts=467263
a sido la galardonada por el jurado de esta 47 edición del Festival de Sitges como mejor película de la Sección Oficial Fantástica a competición

Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2263598/0/palmares/pelicula/sitges-2014/#xtor=AD-15&xts=467263

 Sinopsis- En su segunda cinta, Michael Cahill (Otra tierra, 2011) propone una profunda reflexión sobre la eterna discusión ciencia/religión. Michael Pitt encarna a un Doctor en Biomedicina, dedicado por completo a su estudio del ojo, un científico escéptico que se enamora de Sophie (Astrid Berges-Frisbey), un alma libre y bohemia, por sus únicos e hipnotizantes ojos. Sophie, misteriosa y caprichosa, le mostrará que existe otra 'visión' del mundo a través de la creencia espiritual.

Premio del Jurado (Sitges, Mejor Película Fantástica 2014) 

El tema: Pasión, entre ciencia y religión

"Los ojos son la ventana del alma" parece ser el tema del segundo film de Michael Cahill. El director nos traslada en un viaje (físico, de Nueva York a Nueva Dehli y espiritual, desde el escepticismo hacia la creencia) que contrapone los avances científicos a todo lo sensorial que la ciencia no puede  probar.

I Origins también propone la posibilidad de la reencarnación de las almas a través de los ojos en un relato que conjuga la vida y la muerte con el amor desde un punto de vista 'indie' y místico. Unos ojos, unos de entre los millones de ojos que Ian ha ido fotografiando a lo largo de su vida, y una puerta desde la oscuridad hacia la luz son las dos metáforas poéticas del romance sci-fi del director estadounidense.

La fuerza del guión

La historia, que se desarrolla sin acción, tan sólo con la reflexión y búsqueda continua, está perfectamente tejida y desarrollada. La fuerza de un guión en el que todo tiene (y cobra más) sentido, incluso los "golpes inesperados", el prematuro amor eterno, el nacimiento y la muerte, construye un relato que no dejará indiferente al espectador, que lo revolverá en la butaca entre causalidades y casualidades, que quedará perplejo ante los giros inesperados y ante la simplicidad con la que se hilan los hechos narrativos.

Mise en scene: la narración se completa

La ciencia ficción alberga y nutre una historia de amor (predestinado). una idea que crece con su puesta en escena brillante, desde la estética cuidada, que va desde desde primeros planos de los espectaculares ojos y la biométrica del iris hasta la representación en pantalla de dos ciudades, tan diferentes como Nueva York y Nueva Dehli, con un halo de misterio, suciedad y frialdad entre tantas personas.
Los tonos grises y azulados de una Nueva York bohemia y grunge contrastan con los tonos cálidos (naranja, ámbar y marrones) de la India.
La frialdad del pavo real blanco, que agita sus alas en slow motion y la banda sonora melancólica completan este film que coquetea con lo indie y new age.

domingo, 21 de diciembre de 2014

Los guiones que no vieron la luz: The Blacklist

Una propuesta de cultura colaborativa: The Blacklist, "lista negra" de guiones 

The Blacklist es la propuesta de Franklin Leonard que nació en 2005, a modo de encuesta dentro de la industria del cine, para redescubrir todos aquellos guiones del año que no habían logrado "nacer" como películas. 
Leonard confiesa en una entrevista a Los Ángeles Times que estaba harto de leer guiones que no valieran la pena, que necesitaba esa bocanada de aire fresco que representa una buena historia, esas que a veces están aún por descubrir, un guión que entusiasma al lector y que logra el beneplácito del productor para llegar a la gran pantalla. 

Del resultado de esta encuesta, que tenía en cuenta los guiones mejor valorados por profesionales de la industria del cine en Hollywood, vio la luz la iniciativa de crear una infraestructura, una web participativa en la que las necesidades de guionistas y directores pudieran confluir. Los guionistas freelance pueden subir aquí sus guiones para cine y televisión, y los directores, productores y cazatalentos pueden encontrar aquí, de manera sencilla, esa historia que no acababan de encontrar.  

10 años de recorrido lleva ya The Blacklist, y ha alcanzado notoriedad en Hollywood. De la 'lista negra' han salido historias tales como Slumdog Millionaire, El discurso del Rey o Argo. 

Sin duda es el perfecto trampolín para guionistas de todo el mundo, ya que no requiere presencia física y los guiones pueden escribirse desde cualquier parte del mundo: realidades diferentes, culturas diferentes e historias diferentes que hacen que el panorama cinematográfico ensanche sus miras y se enriquezca gracias al talento de guionistas de todo el mundo. 

The Blacklist 2014

Top3
1- Catalina la Grande (Kristina Lauren Anderson) GÉNERO: BIOGRAFÍA HISTÓRICA
Un recorrido por la biografía de la monarca rusa más querida de todos los tiempos.

2- Rockingham (Adam Morrison) GÉNERO: POLICIACA
Una revisión del juicio  a OJ Simpson a través de los ojos de su representante deportivo Mike Gilbert y del detective Mark Fuhrman, de Los Angeles Police Department.

3- The swimsuit issue (Randall Green) GÉNERO: HIGH SCHOOL/COMEDIA ADOLESCENTE

Un nerd de 'high school', que aspira a ser fotógrafo profesional, pretende crear una revista escolar (“Swimsuit Issue”) en la que sus compañeros posen en bañador para financiar el 'summer camp' .

Descubre AQUÍ la lista completa de 2014