Los odiosos ocho (Tarantino, 2016)

'Los odiosos ocho' es, más que nunca, Tarantino en estado puro.

Volviendo a hacer una revisión del tema histórico, que ha marcado su filmografía más reciente (Django, Malditos Bastardos), en esta, su octava película, Tarantino lleva al espectador a un paseo, una encerrona en una diligencia tras la Guerra de Secesión. 

El film abre con una meticulosa puesta en escena, planos contemplativos de un paisaje nevado que se va descubriendo ante nuestros ojos. Un blanco gélido, que contrasta con la oscuridad que proyectan sus personajes, y que servirá de lienzo sobre el que (el espectador ya intuye) derramar tanta sangre.

A partir de ahí, la tensión se va creando in crescendo. Desde un lugar abierto y vulnerable a las tormentas de nieve, los personajes, seleccionados exquisitamente en un cast que incluye los 'habituales' de Tarantino, llegan a un refugio de montaña, donde verdaderamente el espectador descubrirá el concepto de claustrofóbico espacio de violencia. Y es que el espacio donde se desarrolla la mayor parte del film, está encerrado. Los personajes están encerrados. Encerrados en un refugio de montaña y con el acecho de un temporal de nieve que promete no cesar. Encerrados pero no a salvo. Encerrados sin escapatoria. 

Es entonces cuando Tarantino se dedica a desplegar las piezas de su laberíntica narración en la que nada es lo que parece. Empieza su juego de engaños, y mientras que ya nadie se sorprende de ver sangre en sus films, el espectador sí quedará eclipsado por el juego con el suspense, desconcertado por constantes giros de guión inesperados. 

Especial mención al estupendo flashback de la fugitiva, Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh), que nos advierte, por si no nos hemos dado cuenta ya (la narración por capítulos es una muy buena pista, espectador), de que estamos ante una narración manipulada. Pero el espectador acepta el juego, y llega al final del film vapuleado en el asiento. Y también especial mención a un Samuel L. Jackson que despliega la mejor versión de sí mismo, y a la envolvente e inquietante banda sonora compuesta por Ennio Morricone, capaz de generar esa atmósfera y contribuir al efecto de suspense del film.

Con esa creación de expectativas en las que nada es lo que parece, aderezando su única voz como la voz posible para abordar la Guerra de Secesión y el conflicto racial, y en un pastiche cinematográfico que aúna el western con el teatro de variedades, Tarantino nos trae el film que posiblemente, sea la obra maestra de su cinematografía. 

Joy (O'Russell,2016)

David O'Russell nos trae una historia sobre la superación personal, sobre la lucha por un sueño, el mismo propio sueño americano que puede convertirse en pesadilla. O'Russell nos trae una historia diferente, quizás de lo mejor que ha producido en los últimos años, una historia que trata lo duro que es seguir levantándose y cayéndose para lograr hacer dinero a partir una idea en Estados Unidos.

Y da el punto de vista de todas las verdades. De las hipotecas. De las noches sin dormir. De perder dinero. De la lucha con los proveedores. Del apoyo y no apoyo familiar. Basada en una historia real, la de Joy Mangano, el film nos lleva por una serie de desventuras que culminan, con el sueño cumplido.

Brillante Jennifer Lawrence

Una historia personal a la que pone cara una brillante Jennifer Lawrence que exhibe un registro de actuación que la consolida como una de las jóvenes promesas del cine americano. Ella es Joy, y ella es la persona con la que el film cobra sentido, en un ejercicio que muestra una evolución del personaje (Joy es luchadora, constante, pero también se derrumba, se colapsa por ser incapaz de conciliar su vida familiar) que le ha valido una nominación a los Oscar del próximo 28 de febrero.

 Momentos memorables

Si bien el film no destaca por su grandiosidad, quizás es el guión, quizás que la historia verdaderamente no da para más, sí hay algunos momentos de grandeza en el film del considerado "pseudointelectual" David O'Russell:

• La atmósfera que enclaustra al personaje de Joy, colapsada por su vida familiar, está minuciosamente creada. El espectador verdaderamente siente cómo se siente Joy ante esa situación, llevada a la pantalla desde el tono de comedia, y sin embargo igualmente opresiva-
•  La parodia de cómo se venden los productos en la teletienda. Creo que esas secuencias son excelentes.

Quizás es uno de los puntos más sobresalientes de O'Russell en este film: su parodia pseudodocumental, cuasi realista de cómo funciona la teletienda. La puesta en escena es una joya: cómo el asesor de marketing recorre los platós con Joy y le explica cómo funciona, el storytelling real que hace la propia Joy (¡bravo, Jennifer Lawrence!) que atraviesa la pantalla del televisor (la del espectador que la ve), y la del  espectador en el cine.

Top 10 películas 2015

#1 Del revés (Inside out)

Pixar ha sido, sencillamente, el más excelente este 2015. La mejor prueba de ello es Del revés, una delicia que lleva a niños y adultos a explorar los cinco sentimientos que todo ser humano tiene y cómo funcionan las emociones desde un plano que jamás imaginaríamos. Una maravilla. ¡Imprescindible! La crítica

#2 Birdman 

Sorprendente e innovadora. Así es la película de González Iñárritu. Un constante ejercicio cinematográfico que nos traslada a las sensaciones del backstage de un actor fracasado, Golpean martilleantes los pasos, se acompañan sutiles encadenados y planos secuencia. Una delicia cinematográfica. La crítica

#3 Marte 

Aunque con el tema de los viajes al espacio a Ridley Scott se le adelantó el alumno aventajado del cine Chris Nolan, Marte es una encantadora sorpresa, desde el escenario, una magnífica elección cromática del director artístico y director de fotografía, hasta un Matt Damon que no deja que el espectador se despiste en el asiento con ese espíritu de superación y supervivencia tan americano. Merece la pena. La crítica

#4 El club

El director chileno Pablo Larraín pisa fuerte con este film de profunda crítica a la Iglesia. Su dedo acusador se centra en esta historia de pedrastía, de violencia contenida, de vidas deambulantes ante un mundo demasiado silenciado para gritar a viva voz las verdades. Desgarradora. Turbia como el color que tiñe sus planos. Sublime. La crítica. 

#5 Whiplash

"El frenético ritmo de jazz marca la consecución de los planos y el desarrollo narrativo. Lo auditivo predomina frente a lo visual, y las imágenes se suceden acompañando a la música." Innovadora e imprescindible. La crítica.  

#6 El capital humano

Es de esas historias que se van encajando las piezas del puzzle y que, además, mezclan en la coctelera el triángulo amoroso, la crisis económica en Italia y un asesinato. Quizás no es de los films más conocidos del año en nuestro país, pero sin duda lleva al espectador a tener que seguir atando cabos hasta el final de la intriga. Un goce. La crítica.

#7 Siempre Alice

 Me hizo llorar. Este film es una manera sutil y realista de tratar el alzheimer en un recorrido que va desde su fase más temprana, avanzando más y más, en la vida de una mujer que apenas alcanza los 50 años. La narración fílmica está muy medida, muy estudiada para trasladar ese efecto. La crítica.

#8 La novia 

El cine español se vuelve muy grande con este film. Basado en la obra de Lorca 'Las bodas de sangre', Paula Ortiz hace una reinterpretación en la que la que la convierte en pura poesía visual. Un desgarro de pasión encarnado en una extraordinaria Inma Cuesta. La crítica. 

#9 El desconocido

Rodada íntegramente en el interior de un coche y cortando el centro de A Coruña, Luis Tosar, una historia que refleja la misma España de la crisis son suficientes motivos para convertirla en una de las películas del año, capaz de transmitir la impotencia, la claustrofobia y el miedo. La crítica. 

#10 Hablar 

Merece entrar en el Top 10 por su innovadora puesta en escena, rodando todo el film en plano- secuencia en un solo plano, y haciendo un recorrido casual por el multicultural barrio madrileño de Lavapiés. Además todo ello no podía ser posible sin un extraordinario y espontáneo cast que incluye lo mejor de nuestro cine español. Sorprendente. La crítica 

El desconocido (Dani de la Torre, 2015)

Poco hay de novedoso en la historia de 'El desconocido'. Un banquero que ha estafado a sus clientes con las preferentes y que es amenazado con volar por los aires, junto a sus hijos, por una bomba de fabricación casera. El thriller, quizás, suena a historia conocida. Adaptada al tejido social español, al clima de indignación, a la crisis, a las historias humanas. Y, sin embargo, una historia conocida pero que el director gallego Dani de la Torre ejecuta en mayúsculas, elevando a nuestro cine de acción español y al thriller a niveles antes "desconocidos".

Impecable Luis Tosar

Luis Tosar ya viene siendo una constante de nuestro cine. El actor puede presumir de ser una de las caras más conocidas del cine español, construyendo su repertorio fílmico con interpretaciones que lo han convertido en uno de los rostros del cine español contemporáneo (La Comunidad, Los lunes al sol,  Te doy mis ojos, Celda 211, También la lluvia, El niño, Musarañas, Mientras duermes...).

Y en cada papel, de nuevo nos sorprende por su versatilidad incansable. Tosar le da magia al banquero encerrado durante todo el film en el todoterreno. Cada gesto y cada mirada crean esa complicidad con el espectador, al que obliga a permanecer allí, a su lado, en el asiento del copiloto, claustrofóbico, hasta el final. 

Ejecución, planificación y montaje

Dani de la Torre nos trae en su ópera prima un ejercicio de estilo en un film de acción "a la española" que poco tiene que envidiar al americano. Desarrollado al completo en el centro de la ciudad de

A Coruña, cuenta con planos espectaculares, aéreos, persecuciones, explosiones... Y todo mientras Tosar sigue al volante de un coche incluso sin las cuatro puertas.

Te gustará si...

No buscas una gran historia y te dejas envolver por la magia del thriller que nos ofrece el director gallego. Porque demuestra un extraordinario "savoir- faire" cinematográfico y forma parte de un grupo de films que están cambiando la concepción del cine de acción made in Spain. 

Regresión (Amenábar, 2015)

Sinopsis- Minnesota, medio oeste americano, 1990. El detective de policía Bruce Kenner (Ethan Hawke) y el psicólogo clínico doctor Rainer (David Thewlis), investigan la violación de un padre a su hija adolescente (Emma Watson) en un thriller psicológico que les conducirá a una investigación por los lugares más oscuros, vulnerables y escalofriantes de la mente humana y por una serie de rituales satánicos que revelan el atraso de una sociedad adormilada entre las creencias, el miedo colectivo y una psicología academicista. 

Vuelve el mejor Amenábar

Tras seis años de silencio (Ágora, 2009), Amenábar hace un glorioso regreso a las pantallas con un film que podría clasificarse como serie B y que regresa al género de terror o thriller psicológico más exitoso cine de su carrera con reminiscencias de Tesis (1996), Los otros (2001) o Abre los ojos (1997). 

Amenábar regresa con una apuesta internacional. El film, rodado íntegramente en EEUU y con un reparto internacional que brilla con luz propia, es una apuesta por mostrar un nuevo cine amenabariano, una mezcla de cine de terror y cine policíaco, en el que el suspense converge con el drama personal de uno de los temas más escabrosos y aún no explorados del cine contemporáneo: la violencia doméstica combinada con los rituales satánicos. 

 Teoría y exploración del miedo psicológico

Quizás la mayor fuerza del film reside en la evocación de muchas emociones en el espectador, que oscilan entre el miedo (el miedo infundido y la psicología del miedo) y la irracionalidad, la religión y la moral. En definitva, es un film que se construye in crescendo y que explora cómo funciona la sugestión en la mente humana, tanto dentro como fuera de la pantalla. La clave está en el juego con la identificación del espectador con el detective Bruce Kenner, y cómo el espectador se involucra en el relato, dejándose guiar por la cámara envolvente y la banda sonora, en esta turbulenta historia de lectura política y social. Amenábar induce, como hace el psicólogo con los investigados, al agnosticismo y la sensación de rozar lo irracional. Induce porque el film no se caracteriza por la extraordinariedad de sus efectos especiales, sino más bien por la fuerza de la historia, capaz de llevar al clímax y al relief final hilando la investigación de la mano de Kenner.

Construcción de la atmósfera

Pese a considerarse un film que roza la serie B, Amenábar logra una producción "a la americana". La construcción de la atmósfera del lugar, la lluvia y los coches, los encapuchados, la siniestra abuela de Angela, forman parte de esa estética decadente que envuelve el relato. Maravilloso manejo de la cámara y de la banda sonora.

Un film político, un tema social

Finalmente, hay mucho de crítica a las instituciones y al poder en Regresión. Crítica a la Iglesia que siembra el pánico entre los habitantes rurales y pertenecientes a una comunidad atrasada del medio oeste americano. Crítica al rol de los medios de comunicación masivos y su capacidad para impregnar de miedo a toda una población civil.  Crítica a la institución de seguridad, a la policía, incapaz de resolver racionalmente el caso hasta el final. Crítica a la psicología academicista.

Amenábar, bienquerido en España

La película ya ha sido un éxito en las taquillas españolas tras el primer fin de semana de su estreno, con una recaudación total de 2,6 millones de euros y un total de casi 400.000 espectadores. Un buen comienzo para el director hispano-chileno, que tratará de recuperar el primer puesto en taquillas de la historia del cine español, arrebatado en 2014 por los 'Ocho apellidos vascos' de Martínez Lázaro.


 

Sexo fácil, películas tristes (Flah, 2015)

Este film es el resultado de los frutos del programa Ibermedia, que promueve la coproducción entre países de habla hispana. Esta película hispanoargentina nos presenta una reflexión sobre la comedia romántica, sobre el amor, sobre la vida.

Una historia dentro de otra historia. Un guionista argentino, Pablo (Ernesto Alterio), recibe el encargo de escribir un guión de comedia romántica que se rodará en España, en un momento de plena crisis de pareja. 

El film inserta un relato dentro del otro y las historias se suceden paralelas, que es la principal fortaleza de esta película. Por un lado, la vida real, las complicaciones del amor, de las parejas, de personas que cambian y evolucionan con el tiempo: la historia del guionista, en Argentina. Por otro, la idealización del amor, que es la esencia misma de la comedia romántica. Marina (interpretada por Marta Etura) y Víctor (Quim Gutiérrez) interpretan a esa joven pareja enamorada, con sus dificultades y discusiones, pero que está destinada a estar junta. 

Todo el film está plagado de guiños a la propia industria del cine. En un pitching inicial, Pablo nos adelanta la sinopsis del guión en el que está trabajando, mezclando en la coctelera todos los elementos que son necesarios para el género de la comedia romántica.

Las dos historias mantienen la estructura clásica de los tres actos, el espectador se inquieta, introducción, nudo y desenlace, ¿finales felices?
Además, por exigencias de la productora, también nos explica por qué las localizaciones del film se incluye tal y como la vemos, o las dificultades económicas que atraviesa la industria del cine en los países hispanos, que acaba rindiéndose al capital.

Madrid. Una comedia 'indie' que pretende alejarse de lo mainstream y que hace un recorrido por el Madrid de Malasaña, por las librerías hipster, por calles y lugares que resultan conocidos sin caer en la obviedad de los grandes lugares emblemáticos.

En tonos pastel. La estética con la que se define la historia que nos narra, desde su amargura, Pablo, nos traslada desde un gris Buenos Aires a un Madrid en tonos azul y pastel. Y es que toda la parte de la película que se desarrolla en Madrid adquiere esa tonalidad de ensueño, de saturación de colores, vida dulce.

El cast. A nadie dejará indiferente la pasión de un Quim Gutiérrez loco de amor y a la vez tan realista, la dulce Marina, encarnada por Marta Etura, y su vida en común. El espectador vivirá las frustraciones y desengaños (en la vida y en el amor) del personaje de Ernesto Alterio, Pablo, el guionista argentino que oscila entre la ingenuidad y la madurez intelectual.

Sin duda una película diferente, una apuesta fuerte del cine español y argentino por una comedia amable, sencilla, y en la que el espectador saldrá con una dulce amargura de emociones. 

Siempre Alice (Still Alice, Glatzer & Westmoreland, 2014)

Sinopsis- Siempre Alice relata la historia de cómo un Alzheimer precoz impacta radicalmente en la vida de la aclamada doctora en Lingüística, Alice Howland, y cómo afronta un deterioro cognitivo que avanza sin frenos.

El film que presenta la pareja Glatzer & Westmoreland es una reflexión sobre el Alzheimer y cómo irrumpe en la vida cotidiana para desgarrar recuerdos y vidas ajenas, alejando el presente y desconcertando el pasado, avanzando inevitablemente hacia un final sin final, un deterioro constante y tan paulatino como decida la caprichosa naturaleza humana.

Siempre Alice está tratada desde la sensibilidad sobre la pérdida de memoria, un drama familiar que se intensifica con la destrucción de la memoria, que conlleva la destrucción de las relaciones humanas.

La presentación del personaje

Desde la presentación del personaje, Alice se nos muestra como una mujer inteligente, amada y exitosa, a la que acompañamos en el drama personal y familiar, inevitablemente desde la empatía y la impotencia, desde las pequeñas trampas que ofrece la tecnología para suplir la eminente pérdida de memoria.

El film propone un juego con los puntos de vista que permite al espectador sentir lo que siente Alice (ese primer silencio en el que se olvida su primera palabra en la conferencia, la desorientación, primero corriendo en el campus donde ha trabajado durante los últimos 30 años y después en la casa de su infancia) y a la vez sentir la tristeza de acompañarla como mero espectador de su proceso de deterioro. Vulnerabilidad y entereza, una mujer luchadora e independiente que, de repente, se vuelve frágil. Ese es el retrato de una Alice encarnada por Juliane Moore, ganadora del Oscar a Mejor Interpretación femenina. Sin duda es Juliane Moore la que da vida a la complejidad del personaje y lo acompaña en la lucha por mantener vivos los recuerdos en la cotidianeidad que parece difuminarse ante sus ojos.  

La narración que acompaña hasta el final
El paso del tiempo suspendido ante la lucha. El espectador afronta ante la pantalla la certeza de que, Alice, sólo va a ir a peor. Superado el primer tercio del film, la agonía de Alice es compartida desde la butaca, cómplices de la innegable realidad del Alzheimer. Siempre Alice es narrada de manera lineal, avanza en el tiempo y la enfermedad evoluciona con ella.

El drama se intensifica innecesariamente en el guión (es una enfermedad genética, que heredará su hija mayor embarazada de gemelos, el marido de Alice es investigador, casualmente de neurología y es incapaz de "curar" a su mujer...), añadiendo más crudeza y quizás restándole fuerza a la situación, de por si, dramática e interpretada con excelencia por Juliane Moore.

La lucha es hasta el final, incluso contra cuando "sientes que vas a desaparecer"

Dos días, una noche (Dardenne, 2015)

Sinopsis- Sandra está a punto de reincorporarse a su trabajo tras unos meses de baja por depresión cuando recibe una llamada que le comunica que está despedida. Tras el fin de semana, sus compañeros votarán de nuevo si puede reincorporarse a cambio de perder todos su paga extraordinaria. Sandra emprenderá un viaje el fin de semana en el que buscará convencerlos de que renuncien al dinero con tal de que ella no se vaya al paro...

Aparentemente una historia sencilla que transcurre en un fin de semana, trata con una inmensa fuerza la denuncia social. Los hermanos Dardenne muestran en este film una de tantas historias cotidianas de despidos y problemas sociales, de desolación y de solidaridad laboral, de problemas económicos, de familias que afrontan situaciones, de empresas que miran sólo por el beneficio económico.

El film muestra como Sandra debe ir a visitar uno a uno a sus compañeros y pedirles que renuncien a su paga a cambio de que ella pueda quedarse. En este viaje, que también será un viaje para encontrarse a sí misma, descubrimos un retrato social de la crisis económica a través de familias que luchan por sobrevivir día a día,  la solidaridad, la multiculturalidad y la fuerza de los seres humanos.

Mujeres cineastas españolas: Pilar Miró

¿Quién fue Pilar Miró?

Pilar Miró fue la primera mujer cineasta que, durante el Franquismo, intentó con su cine, rompedor, arriesgado y anti-establishment, mostrar un cine español nuevo, un cine que hablaba de libertades. 

En 1982, con el primer gobierno socialista en España, Pilar Miró asumió el cargo de Directora General de Cinematografía, bajo el cuál llevó a cabo lo que hoy se conoce como "Ley Miró", un intento de aproximar el sistema del cine español al cine francés. Entre sus principales medidas incluía:

• Que el director fuera también productor y así tener mayor control sobre la película
• Aperturismo cultural e internacional del cine. Difusión y promoción del cine español. El film "Volver a empezar" (1982)  de José Luis Garci, logra el primer Oscar y se inauguran Semanas de Cine Español por distintas capitales a nivel mundial
• Las películas reciben, por primera vez en España, la calificaciones por edades 
• Creación de la Filmoteca Española, que cumple la función de salvaguarda del patrimonio histórico cinematográfico español. 

Durante el periodo de 1986-1989, fue nombrada Directora del Instituto RTVE, para después volver a su vocación como creadora. 

Sin duda, una de las grandes figuras femeninas del cine español: complicada, luchadora y siempre en busca de ese algo más que conforma la esencia del cine.

Destacan en su filmografía...

• La petición (1976)
• El crimen de Cuenca (1979) --> censurada por la Junta Militar
• Gary Cooper, que estás en los cielos (1980)
• Hablamos esta noche (1982)
• El perro del hortelano (1996)

Samba (Nakache &Toledano, 2015)

Sinopsis- Samba es senegalés, lleva viviendo en Francia más de 10 años y aspira a convertirse en chef. Alice es una alta ejecutiva francesa, que ha cambiado su trabajo temporalmente por apoyar como trabajadora social en un centro de inmigración. Sus destinos y sus vidas se cruzarán en un film sobre la inmigración en Francia desde un tono amable.

La conciencia social sobre la inmigración

Los directores de Intocable vuelven a la carga con un film que presenta una visión progresista del tema de la inmigración en Europa. Samba es un film de gran trasfondo, un cine social y de conciencia pero que se trata desde el tono del humor, de la comedia. Samba es uno de tantos inmigrantes negros que transitan las calles de Francia, y aquí la película busca reconciliar al ser humano con la vida, con la lucha y con los sueños, unir a dos mundos que se encuentran y se dan cuenta de que siguen siendo el mismo...

Pero Samba no es sólo comedia. Un híbrido entre drama político, comedia y romance, que acerca la cotidianeidad desde el buen humor. Una visión positiva sobre todos los problemas que afrontan los inmigrantes (desde el lenguaje a la xenofobia pasando por los interminables trámites burocráticos)

Brillantes Omar Sy y Charlotte Gainsborough.

Los personajes estereotipados cobran vida gracias a las brillantes interpretaciones de Omar Sy (Intocable, 2011), que ya se ha convertido en un referente en el cine francés por el magnetismo que transmite que supera la pantalla,  y Charlotte Gainsborough (Nymphomaniac. 2014), que supera con creces las expectativas en su interpretación de un personaje naïf, con el que que arranca la sonrisa del espectador constantemente y alguna que otra carcajada. 

La representación del sexo en el cine contemporáneo (2011-2014)

La exploración del sexo en pantalla: ellas y ellos

Coincidió con el día de Navidad de 2013 cuando un transgresor Lars von Trier llevó a la gran pantalla la rompedora primera parte de Nymphomaniac, una cinta que narra explícitamente la historia de Joe (interpretada por Charlotte Gainsborough), una joven que a una muy temprana edad descubre su adicción al sexo. 

La segunda parte de Nymphomaniac es una inmersión en la crudeza biográfica de Joe. El sexo se muestra de manera directa en la pantalla. Explícito, sin esconder nada. A veces duro, situaciones escalofriantes, situaciones cómicas. Violencia y sexo. Por primera vez se trata el sexo en el cine desde el punto de vista de una mujer, una mujer adicta al sexo. 

Porque al hombre adicto al sexo ya lo conocimos en Shame (McQueen, 2011), encarnado por Michael Fassbender. Un relato escalofriante que despoja al protagonista de sentimientos: un autómata del sexo, sin escrúpulos. Una vida vacía, días intensos de trabajo, noches de cacería. El reflejo de un sector de la sociedad de clase alta, sofisticado, pero que ya no se oculta, que ya no tiene vergüenza de ser quien es en la intimidad. 

Descubriendo el sexo. Adolescentes.

La exploración del descuidado sexo adolescente se muestra en Joven y bonita (Jeune et jolie, Ozon, 2013), en el que una chica en plena pubertad, proviniente de una familia burguesa y acomodada, decide convertirse en prostituta de lujo, una visión muy diferente de esa exploración del sexo por parte de Benjamin (Dustin Hoffmann) en el clásico El graduado (Webb, 1967), en la que, joven e inexperto, descubre el placer de la mano de su vecina Mrs Robinson, una mujer amiga de los padres y de la edad de los mismos.
Un visión muy diferente del sexo, sin duda, que muestra la evolución y aceptación social de lo "políticamente correcto", y hasta qué punto el sexo pasa de tema tabú a tema acogido por el público. 

El sexo homosexual, también en sus mejores cines

La vida de Adèle (Kechiche, 2013), es uno de los principales exponentes del cine lésbico, en el que una adolescente busca su identidad sexual, huyendo de lo "estipulado" y lo "correcto", enamorándose de otra joven de extravagante pelo azul. Una cinta en la que la representación del sexo es de las más explícitas en su género y en la que Adèle tendrá que enfrentarse a muchos obstáculos y desgarrar falsas convicciones para encontrarse a sí misma.

Weekend (Haigh, 2011) hace lo propio en el cine gay. Un relato que huye de la frivolidad de las relaciones de una noche para narrar una historia de mucho sexo y sentimientos verdaderos.






Parece que la representación del sexo en el cine está cambiando. Está cambiando principalmente desde lo que concierne a la "esfera de lo público", es decir, qué podemos visionar en espacios públicos, que no quiere decir por ello que sea lo moralmente aceptado por la sociedad en su conjunto.
Estas películas oscilan entre el erotismo y la pornografía, por su alto contenido erótico, construidas con una puesta en escena regida directamente por parámetros eróticos (curiosidad, morbo, deseo).  Los cuerpos humanos se exponen a los ojos de un voyeur, espectador curioso que siente atractivo. El sexo, como antes ocurrió con la violencia, se naturaliza al insertarse en una serie de films que lo convierten en objeto de la cotidianeidad fílmica. Muestra de ello es la llegada el próximo mes de febrero de la adaptación de la novela 50 sombras de Grey. 

2014: Top 5 Películas que te sorprenderán

Hoy nos alejamos de los blockbuster para acercaros una selección de películas, quizás menos conocidas, pero que merecen una distinción este 2014. 

5) Viva la libertad (Andó, Italia)

Italia se arriesga con una cinta en la que se hace una profunda crítica los políticos del país, corrupción y mentiras. Una sátira que muestra las posibilidades hacia nuevas vías más amables de hacer política en Italia.

4) Begin again (Carney, EEUU)

La música se convierte en el leit motiv de una película diferente. Keira Knightley protagoniza este film en el que asistimos a una aproximación a la industria discográfica indie. ¿Lo mejor? Las canciones, el recorrido por las calles de Nueva York y la ilusión que despierta la carrera artística  descubrir una incipienta carrera artística entre bambalinas.

3) Una vida en tres días (Reitman, EEUU)

Kate Winslet protagoniza este melodrama situado en el Estados Unidos rural. Divorciada y devastada, 

¿Por qué te sorprenderá? La indagación psicológica en los personajes (y la elección perfecta del cast), el guión y el tempo. 

2) Hermosa juventud (Rosales, España)

El drama de la generación ni-ni. La cinta de Rosales se aventura a destapar una historia (como tantas otras) de la juventud española con graves problemas para encontrar empleo.

Imprescindible.

• Es un claro ejemplo de grandes resultados, bajo presupuesto.
• Una elipsis temporal narrada a través de Whatsapp no dejará indiferente al espectador por ser una nueva e ingeniosa forma narrativa.
•  Sorpresas de principio a fin en esta película agridulce

1) Magical Girl (Vermut, España) 

Carlos Vermut presenta un film oscuro en el que el espectador tendrá que recomponer piezas de un puzzle, en el que será privado de poder ver cómo transcurre la acción y tendrá que recurrir a recomponerla en su imaginación, en el que casualidades y situaciones inverosímiles desvían el curso de la historia dando lugar a una laberíntica y espeluznante historia que no dejará a nadie indiferente. 

Los guiones que no vieron la luz: The Blacklist

Una propuesta de cultura colaborativa: The Blacklist, "lista negra" de guiones 

The Blacklist es la propuesta de Franklin Leonard que nació en 2005, a modo de encuesta dentro de la industria del cine, para redescubrir todos aquellos guiones del año que no habían logrado "nacer" como películas. 

Leonard confiesa en una entrevista a Los Ángeles Times que estaba harto de leer guiones que no valieran la pena, que necesitaba esa bocanada de aire fresco que representa una buena historia, esas que a veces están aún por descubrir, un guión que entusiasma al lector y que logra el beneplácito del productor para llegar a la gran pantalla. 

Del resultado de esta encuesta, que tenía en cuenta los guiones mejor valorados por profesionales de la industria del cine en Hollywood, vio la luz la iniciativa de crear una infraestructura, una web participativa en la que las necesidades de guionistas y directores pudieran confluir. Los guionistas freelance pueden subir aquí sus guiones para cine y televisión, y los directores, productores y cazatalentos pueden encontrar aquí, de manera sencilla, esa historia que no acababan de encontrar.  

10 años de recorrido lleva ya The Blacklist, y ha alcanzado notoriedad en Hollywood. De la 'lista negra' han salido historias tales como Slumdog Millionaire, El discurso del Rey o Argo. 

Sin duda es el perfecto trampolín para guionistas de todo el mundo, ya que no requiere presencia física y los guiones pueden escribirse desde cualquier parte del mundo: realidades diferentes, culturas diferentes e historias diferentes que hacen que el panorama cinematográfico ensanche sus miras y se enriquezca gracias al talento de guionistas de todo el mundo. 

The Blacklist 2014

Top3

1- Catalina la Grande (Kristina Lauren Anderson) GÉNERO: BIOGRAFÍA HISTÓRICA

Un recorrido por la biografía de la monarca rusa más querida de todos los tiempos.

2- Rockingham (Adam Morrison) GÉNERO: POLICIACA

Una revisión del juicio  a OJ Simpson a través de los ojos de su representante deportivo Mike Gilbert y del detective Mark Fuhrman, de Los Angeles Police Department.

3- The swimsuit issue (Randall Green) GÉNERO: HIGH SCHOOL/COMEDIA ADOLESCENTE

Un nerd de 'high school', que aspira a ser fotógrafo profesional, pretende crear una revista escolar (“Swimsuit Issue”) en la que sus compañeros posen en bañador para financiar el 'summer camp' .

Descubre AQUÍ la lista completa de 2014