Embarazados (Juana Macías, 2016)

La realidad de muchos españoles

 Coincide el preestreno de 'Embarazados', protagonizada por el dúo Alexandra Jiménez-Paco León, con la publicación hoy en el diario El País de un extenso reportaje sobre la fertilidad. Y es que mucha (y muy profunda) reflexión nos está trayendo el retraso del embarazo.

Juana Macías nos intenta acercar a la situación de una pareja normal: se quieren, llevan muchos años juntos,  y ha llega el momento de tomar la decisión (madura) de tener hijos, quizás demasiado tarde. Tarde biológicamente, pero no emocionalmente. Ese punto de inflexión, ante la imposibilidad de concebir de manera natural, es en el que el film da un giro espectacular y hace una introspección en cada uno de los personajes, extirpando de la comedia el drama más humano con una reflexión sobre la vida, la familia y los hijos en boca del personaje de Paco León.

Clásica "con un twist"

Valiendose de la estructura clásica de la tres actos, Juana Macías nos presenta una comedia romántica de enredos a la que se le añade un twist, el giro de que la pareja, idealizada, descubre que la pareja quizás no es la persona idónea para la experiencia de convertirse en padres. En ciertos momentos, la frescura y la jovialidad con la que interpretan el tema Paco León y Alexandra Jiménez, recuerda a la vitalísima 500 días juntos (Webb, 2009), mientras que la hipsterización de una pareja de mediana edad que aún no ha concebido y se plantea y replantea su vida laboral y personal se asemeja a la visión de Mientras seamos jóvenes (Noah Baumbach, 2015). 

La puesta en escena también es clásica. Maravillosos planos que nos entornan un San Sebastián de fondo que se conjugan con momentos de reflexión personal profunda con el travelling 360 que gira en torno a Alina (Alexandra Jiménez) y que es la metáfora pura de cómo la cabeza "le da tantas vueltas".

Lo que sí es verdaderamente innovador es esa combinación de comedia y drama, quitándole hierro al asunto tan dramático (atención al Paco León que asiste a la terapia de embarazados por fecundación in vitro o que se plantea quedarse durmiendo la resaca mientras a su chica le hacen la fecundación).  Muy bien medida la dosis emocional, que lleva al espectador desde la risa incontenible a momentos de verdadera reflexión e introspección personal, una pequeña montaña rusa que bien evidencia la crisis de la mediana edad. 

Sublimes Alexandra Jiménez y Paco León

Sorprende que la pareja no haya trabajado junta antes, y sin embargo se compenetren tan bien. 

Paco León va a sorprender, sin duda, con un registro de comedia diferente. Su personaje, Fran, tiene intensidad y profundidad , y evoluciona personalmente cuando verdaderamente se tiene pone a prueba. Jamás pierde ese tono de humor que lo caracteriza, pero quizás en esta ocasión estamos ante el mejor Paco León que hemos visto en pantalla. 

Quizás el personaje de Alexandra Jiménez, Alina, tiene menores perspectivas de ampliación. Ella también sufre ese síndrome de Peter Pan, y encarna excelentísimamente esa duda vital en la que se convierte la maternidad. Evoluciona también, algo más linealmente, más lógica, más adulta frente a su pareja, Fran, que parece que tarda más en el proceso tardío de maduración. 

El cast sin desperdicio alguno, cuenta con unos brillantes momentos a cargo de Karra Elejalde, Ernesto Sevilla o Goizalde Nuñez.   

Qué difícil es hacer una película en España

Ayer. los que tuvimos el placer de asistir al preestreno (gracias Carlos Rodríguez por las entradas de los patrocinadores de la película), nos dimos cuenta de nuevo de lo díficil que es ajustar una película con un presupuesto menor, y cómo hace que sea el ingenio el que marque las líneas de la película. Desde una coproducción infinita hasta los mismísimos intrusos publicitarios que se insertan en el film, nos damos cuenta de que, pese a todo, aún tenemos ganas de hacer mucho cine en España.  

¿Qué sería de las películas sin su Banda Sonora? Presentamos a Fernando Velázquez

Seguramente no lo conozcas, pero Fernando Velázquez te suena.

Te suena porque es el artífice de muchas de las grandes bandas sonoras de nuestro cine, muchas de las que te han acompañando en el cine de los últimos años.

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Quizás muchas veces la música nos parezca uno de los elementos "secundarios" detrás de la imagen o el sonido directo, los que se construyen en el propio espacio fílmico, pero la BSO de las películas, es la que, en muchos casos, les confiere la identidad y muestra quiénes son.
Estamos escuchando la música, y nuestro cerebro, inconscientemente, vuelve a revisitar las escenas de las películas. Porque la asociación de recuerdos que realiza nuestra mente es inmediata. Porque la imagen necesita ese acompañamiento, esa música que envuelve y traslada, que evoca y construye.

Lo que estás escuchando es obra de un maravilloso compositor español.  Gracias al extraordinario talento de un joven compositor llamado Fernando Velázquez, muchas de las bandas sonoras del cine español han cobrado esa personalidad propia.  

Y es que el compositor vasco se ha convertido en el mejor representante musical de nuestro cine, poniendo el sonido a muchos de los films más conocidos y reconocidos como son  El orfanato de Bayona, Mamá, de Guillermo del Toro, Lope, Los ojos de Julia, o las archiconocidas Ocho apellidos vascos o Lo imposible.

"Sin la música, la vida sería un error."

Nietzsche

La novia (Paula Ortiz, 2015)

La adaptación que hace Paula Ortiz (De tu ventana a la mía) de la obra de Lorca es, sin duda, una de las revelaciones artísticas y cinematográficas de este año. La medidísima estética del film, la pasional reconstrucción del triángulo amoroso 'a la española', la fotografía y los colores que se plasman en las grandes pantallas, y una Inma Cuesta desgarradora en una interpretación dramática en, quizás, el mejor papel de su carrera, hacen que la película destaque como una espectacular muestra de lo que es capaz de hacer nuestro cine. 

Convertir un film en un óleo en movimiento

La estética de la imagen es el elemento clave como generadora de emociones. Una extraordinaria dirección de arte sobre el fondo de los Monegros aragoneses y la Capadoccia turca, narra de esa forma tan personal, intimista y pasional la historia ya conocida del triángulo amoroso de Lorca. La imagen desborda al espectador, lo deslumbra. El ejercicio artístico que lidera Paula Ortiz es, sin duda, una maravillosa apuesta arriesgada, equiparable a la Blancanieves de Pablo Berger o a El árbol de la vida de Terrence Malick. 
Porque el film es, ante todo y desde el plano de apertura, una experiencia sensorial. Las imágenes trasladan al espectador al plano de lo emocional, evocando y sumergiendo en la historia. Impresionantes las metáforas visuales que inundan la obra de Lorca (los cuchillos, la luna, el caballo, el vestido). Impresionante la secuencia del baile de la boda, con esos giros típicos de la danza que cada vez se mueven más deprisa, que se intercalan con imágenes, delirios, deseos, sueños, que giran al son de la lámpara de caballos. 
La secuencia de los cristales rotos, quizás es la que más denota la excelencia de este film, su capacidad de reinventar y plastificar la obra clásica y convertirla en audiovisual postmoderno. Todo ello sin olvidar la música (Shigeru Umebayashi).

Deslumbrante Inma Cuesta

Si dirigir este teatro convertido en poesía y convertirlo en una obra maestra del audiovisual en nuestro país es mérito de un extraordinario equipo de cineastas y artistas, interpretar el complejo personaje de la novia como lo hace Inma Cuesta sólo es ambición de los más grandes actores. Capaz de trasladar con su mirada penetrante la pasión, las dudas, el miedo, la congoja, la actriz realiza un ejercicio sobresaliente que lleva al espectador a reimaginar la obra de Lorca a través de sus ojos. La interpretación de Inma Cuesta destaca y eclipsa al cast (un poco adecuado Asier Etxeandia para el papel de novio formal), con momentos tan brillantes como la interpretación del clásico popular 'la Tarara'. Con ella se redondea la que promete ser la película de los premios Goya del próximo año. 

Cambia el modelo de financiación del cine en España

En 2016 cambiará el modelo de financiación del cine español.

El próximo 2016 entrará en vigor una nueva modificación a las ayudas a la financiación de nuestro cine para  las bases de ayudas al cine y el reconocimiento de costes subvencionables.

Esta ley, que supone una reforma de la actual Ley del Cine, supone los siguientes cambios:

Ayudas anticipadas a la producción.

Se sustituyen las antiguas ayudas ‘a la amortización’ por una nueva línea de ayudas anticipadas a la producción para permitir que las producciones se financien durante su producción, y no dos años después del estreno de las películas.  

Bases de ayudas al cine: ¿qué criterios necesita una película para recibir ayudas a la producción?
 Regula los criterios para adjudicar las nuevas ayudas a:

•  la producción cinematográfica, tanto de largometrajes como de cortometrajes
• la distribución de películas
• y su participación en festivales
• la organización de festivales en España.

En las ayudas generales:

• Se modifica el coste mínimo para acceder a las ayudas. Se establece en 1,3 millones de euros (frente al millón inicialmente planteado), cifra que se adecúa mucho más al coste real de las películas, y se reduce el requisito de financiación del 40% al 35%, lo que permitirá acceder a una mayor variedad de películas.

Este coste mínimo se reduce para la parte española en películas en coproducción internacional, que será de 0,7 millones de euros, lo que mejorará considerablemente el acceso a estas ayudas de las coproducciones internacionales.
También se reduce el coste mínimo para películas de carácter documental a 0,4 millones de euros (frente a los 700.000 euros planteados en el primer borrador). En las ayudas selectivas, se mantiene la reserva de entre un 15% y un 20% para documentales.

• Se modula la exigencia de estreno en salas en función del coste de la película:

40 salas para películas de más de 2 millones de €
20 salas para películas de menos de 2 millones de euros y para largometrajes en lenguas cooficiales (al menos en 10 salas en V.O, 7 para documentales)

• Se modifica el concepto de beneficiario, eliminando la exigencia de un beneficiario único en caso de coproducciones y estableciendo que cada beneficiario cobre según su porcentaje de participación en la película, porcentaje que se revisará en el pago final para adaptarlo a la titularidad que finalmente quede.
• Criterios específicos para el cine de animación. En los que se requiere valorar la solvencia porque su proceso de producción es mucho más largo (valorados en 8 años). Asimismo, se reduce el peso de la participación de estas películas de animación en festivales, sustituyéndolo por experiencia en la producción de animación.
• Se valora además la contratación de personal digital español para efectos visuales, lo que contribuye al desarrollo de esta importante industria.
• Se incrementa la cuantía máxima a percibir a 1,4 millones de euros (frente a los 1,3 inicialmente planteados), pero se eleva a 80 el número de puntos para acceder al 100% de la ayuda. La aplicación de tramos permitirá el acceso a un mayor número de películas a estas ayudas. Se ha puesto un mínimo de 35 puntos para acceder al mínimo de ayuda.

En las ayudas selectivas:

• Requisitos de acceso: se elimina la obligatoriedad de que el estreno en las salas requeridas sea de forma simultánea.
• Se incrementa el coste máximo de una película para acceder a estas ayudas a 1,8 millones de euros.
• Se reduce de 30 a 20 puntos el mínimo para pasar de la primera a la segunda fase del proceso de adjudicación de ayudas. También se han reponderado los puntos para posibilitar el acceso de un mayor número de películas.

Orden Ministerial de reconocimiento de costes. Aclaran los conceptos y gastos reconocibles como costes subvencionables que se adaptan a la realidad de la producción de cine.

• No se considera subcontratación cuando la empresa con la que se contrate no tenga en su objeto social la producción cinematográfica. En este caso, la facturación se admitirá en su totalidad.
• Se admite la subcontratación hasta el 40% (50% en animación) con empresas en cuyo objeto social se incluya la producción de cine, desapareciendo la lista de materias objeto de contratación. Esto simplifica enormemente la determinación de los costes subvencionables tanto para el productor como para el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA).
• Se admite también en coproducciones mayoritarias españolas, la contratación de servicios de producción en el extranjero hasta un 20%, lo que ayuda a la internacionalización de los proyectos.
• Se adaptan los gastos a las necesidades del proceso productivo incluyendo determinados gastos como subvencionables que se producen antes y después del rodaje: viajes, líneas de teléfono, etc.
• Se adapta a la normativa de subvenciones los supuestos de facturación entre empresas vinculadas.

Para aportar seguridad financiera al sector cinematográfico, se ha establecido un periodo transitorio –hasta 2018-, en el que este nuevo modelo de financiación del cine convivirá con las antiguas ayudas a la amortización.

Fuente: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

El desconocido (Dani de la Torre, 2015)

Poco hay de novedoso en la historia de 'El desconocido'. Un banquero que ha estafado a sus clientes con las preferentes y que es amenazado con volar por los aires, junto a sus hijos, por una bomba de fabricación casera. El thriller, quizás, suena a historia conocida. Adaptada al tejido social español, al clima de indignación, a la crisis, a las historias humanas. Y, sin embargo, una historia conocida pero que el director gallego Dani de la Torre ejecuta en mayúsculas, elevando a nuestro cine de acción español y al thriller a niveles antes "desconocidos".

Impecable Luis Tosar

Luis Tosar ya viene siendo una constante de nuestro cine. El actor puede presumir de ser una de las caras más conocidas del cine español, construyendo su repertorio fílmico con interpretaciones que lo han convertido en uno de los rostros del cine español contemporáneo (La Comunidad, Los lunes al sol,  Te doy mis ojos, Celda 211, También la lluvia, El niño, Musarañas, Mientras duermes...).

Y en cada papel, de nuevo nos sorprende por su versatilidad incansable. Tosar le da magia al banquero encerrado durante todo el film en el todoterreno. Cada gesto y cada mirada crean esa complicidad con el espectador, al que obliga a permanecer allí, a su lado, en el asiento del copiloto, claustrofóbico, hasta el final. 

Ejecución, planificación y montaje

Dani de la Torre nos trae en su ópera prima un ejercicio de estilo en un film de acción "a la española" que poco tiene que envidiar al americano. Desarrollado al completo en el centro de la ciudad de

A Coruña, cuenta con planos espectaculares, aéreos, persecuciones, explosiones... Y todo mientras Tosar sigue al volante de un coche incluso sin las cuatro puertas.

Te gustará si...

No buscas una gran historia y te dejas envolver por la magia del thriller que nos ofrece el director gallego. Porque demuestra un extraordinario "savoir- faire" cinematográfico y forma parte de un grupo de films que están cambiando la concepción del cine de acción made in Spain. 

Regresión (Amenábar, 2015)

Sinopsis- Minnesota, medio oeste americano, 1990. El detective de policía Bruce Kenner (Ethan Hawke) y el psicólogo clínico doctor Rainer (David Thewlis), investigan la violación de un padre a su hija adolescente (Emma Watson) en un thriller psicológico que les conducirá a una investigación por los lugares más oscuros, vulnerables y escalofriantes de la mente humana y por una serie de rituales satánicos que revelan el atraso de una sociedad adormilada entre las creencias, el miedo colectivo y una psicología academicista. 

Vuelve el mejor Amenábar

Tras seis años de silencio (Ágora, 2009), Amenábar hace un glorioso regreso a las pantallas con un film que podría clasificarse como serie B y que regresa al género de terror o thriller psicológico más exitoso cine de su carrera con reminiscencias de Tesis (1996), Los otros (2001) o Abre los ojos (1997). 

Amenábar regresa con una apuesta internacional. El film, rodado íntegramente en EEUU y con un reparto internacional que brilla con luz propia, es una apuesta por mostrar un nuevo cine amenabariano, una mezcla de cine de terror y cine policíaco, en el que el suspense converge con el drama personal de uno de los temas más escabrosos y aún no explorados del cine contemporáneo: la violencia doméstica combinada con los rituales satánicos. 

 Teoría y exploración del miedo psicológico

Quizás la mayor fuerza del film reside en la evocación de muchas emociones en el espectador, que oscilan entre el miedo (el miedo infundido y la psicología del miedo) y la irracionalidad, la religión y la moral. En definitva, es un film que se construye in crescendo y que explora cómo funciona la sugestión en la mente humana, tanto dentro como fuera de la pantalla. La clave está en el juego con la identificación del espectador con el detective Bruce Kenner, y cómo el espectador se involucra en el relato, dejándose guiar por la cámara envolvente y la banda sonora, en esta turbulenta historia de lectura política y social. Amenábar induce, como hace el psicólogo con los investigados, al agnosticismo y la sensación de rozar lo irracional. Induce porque el film no se caracteriza por la extraordinariedad de sus efectos especiales, sino más bien por la fuerza de la historia, capaz de llevar al clímax y al relief final hilando la investigación de la mano de Kenner.

Construcción de la atmósfera

Pese a considerarse un film que roza la serie B, Amenábar logra una producción "a la americana". La construcción de la atmósfera del lugar, la lluvia y los coches, los encapuchados, la siniestra abuela de Angela, forman parte de esa estética decadente que envuelve el relato. Maravilloso manejo de la cámara y de la banda sonora.

Un film político, un tema social

Finalmente, hay mucho de crítica a las instituciones y al poder en Regresión. Crítica a la Iglesia que siembra el pánico entre los habitantes rurales y pertenecientes a una comunidad atrasada del medio oeste americano. Crítica al rol de los medios de comunicación masivos y su capacidad para impregnar de miedo a toda una población civil.  Crítica a la institución de seguridad, a la policía, incapaz de resolver racionalmente el caso hasta el final. Crítica a la psicología academicista.

Amenábar, bienquerido en España

La película ya ha sido un éxito en las taquillas españolas tras el primer fin de semana de su estreno, con una recaudación total de 2,6 millones de euros y un total de casi 400.000 espectadores. Un buen comienzo para el director hispano-chileno, que tratará de recuperar el primer puesto en taquillas de la historia del cine español, arrebatado en 2014 por los 'Ocho apellidos vascos' de Martínez Lázaro.


 

Ma ma (Medem, 2015)

Nunca un tráiler y una estrategia de márketing habían sido tan efectivas.

El tráiler, meticulosamente articulado, no hace ninguna justicia a la realidad del film. Mientras que presenta un drama sobre una mujer que se enfrenta al cáncer de mama, e incluso ilusiona con emocionar, el film se queda muy corto de esa intensidad dramática, y adolece, precisamente, de ser capaz de presentar ese dolor, esa historia personal de tantas y tantas mujeres que padecen cáncer de mama en nuestro país. No debemos dejarnos engañar por el tráiler: vende retazos de una historia que nunca logra componer como el tema merece.
Penélope Cruz, protagonista y productora de un ego-film en el que la ganadora de un Oscar se queda muy corta e inconsistente en el papel de Magda. Sin embargo, la revista Vogue España le dedicó un espléndido espacio info-publicitario (en portada, en Newsletter), a ella, a la película, al tratamiento "extraordinario" del cáncer de mama por primera vez en pantalla made in Spain.
Con todo ello, ha logrado ocupar el cuarto puesto del Top 10 semanal de películas en España según datos de Rentrak, con una recaudación de 0,31M€ tras el primer 'Miércoles al Cine' posterior a su estreno.

 Un drama dulcificado, un cuento sobre la vida y la muerte

El primer error reside en  perder la noción del género intentando convertirlo en una película "amable", dulcificada, en la que el drama no resulta tan amargo, con un ginecólogo que canta, un nuevo novio millonario y unas vacaciones en la playa prevalecen sobre el verdadero drama personal de una paciente de cáncer.
Decía Julio Medem que, en este film, quería acercar a sus personajes más a la realidad, de ahí que lo contextualice en la España de la crisis, entre 2012 y 2013, con una maestra en paro, dos sistemas sanitarios (público vs. privado), y un (ridículo) sentimiento nacional de pasión por el fútbol. Sin embargo, se pierde ante las inmensas posibilidades que abre el tema que ha elegido. Ni sus personajes son suficientemente consistentes, ni su Magda (Penélope Cruz) consigue emocionar, y todo parece demasiado encasillado, encorsetado, guionizado, tanto que no consigue traspasar la piel del espectador, que siente que la película es tan artificial como esos planos insertados en los que un corazón digital simboliza la vida y la muerte.

La reflexión que hace sobre la enfermedad, sobre la vida y la muerte y sobre la realidad de la vida en pareja, jamás alcanza a narrar con sinceridad la situación vulnerable de la protagonista.

¿Nuevo Medem?

'Ma ma' es un Julio Medem desconocido. Si bien a nivel cinematográfico compone un poema visual, de montaje creativo y sensorial, de cámaras de distintos puntos de vista, de elección de colores clásicos para componer las emociones (el rojo: la pasión, las emociones, los latidos del corazón, la vida vs. el azul: la frialdad, la muerte, la no- vida, el abismo en el que poco a poco empieza a caer Magda), todo esto destroza la posible empatía que rompa la pantalla y emocione al espectador. Sus personajes despojan a la situación de todo sentimiento, sus metáforas no llegan en el momento adecuado, no deja espacio para el silencio, para la reflexión, para la fragilidad.
Sus dos Mas (el cáncer en el primer pecho, salvable, el cáncer en el segundo, irrecuperable) son una estructura narrativa que bien podría dotar de originalidad al film, pero no lo logra.

Y el espectador se pregunta ¿cómo es posible?

¿Cómo es posible que con ese tema sea incapaz de erizar el vello del espectador en la sala ni emocionar?
¿Cómo puede ser que se hayan construido unos personajes tan planos, tan faltos de sentimiento, tan artificiales, tan ajenos al espectador? Y, lo que es peor aún, ¿cómo puede ser que Luis Tosar y Penélope Cruz firmen su peor actuación en pantalla en los últimos años?
¿Cómo es posible que el relato sea tan inverosímil por darle un final feliz, unas vacaciones en la playa, un marido perfecto, una plácida muerte sin deteriorarse?
  

 La crítica dice...

"Julio Medem’s film is a smiling-through-tears saga whose generally tasteful execution can’t ultimately salvage a whopping load of maudlin contrivance, all designed to burnish the halo around St. Penelope. She’ll power mainstream box office in Spanish-speaking markets and other fanbases, but elsewhere the pic won’t be getting the reviews to gain any arthouse traction." Variety

"Ma ma, de Julio Medem, es, para evitar rodeos, cursi, blanda y llorona".Metrópoli

Felices 140 (Querejeta, 2015)

Ante una aparentemente tranquila reunión de amigos con motivo de la celebración de los 40 años de Elia (Maribel Verdú), el film rompe con la tranquilidad en la idílica casa de veraneo con un giro de guión que pasa de la comedia al drama y la tragedia en una reflexión sobre la el dinero, la traición y la ambición del ser humano sin límites. 

Delicioso giro de guión

La gran virtud de este film es la capacidad de sorprender al espectador, presentándole un escenario que finalmente se convierte en otra cosa. [SIN SPÓILERS]. Un giro de guión que cambia el rumbo del fin de semana de reunión de amigos, y hace que el film vire hacia la comedia negra, al drama, a la tragedia. El inicial tono de felicidad encubierta, pronto revela las falsas apariencias en una reflexión sobre la amistad, el ser humano y la manera de relacionarnos. Historias personales, vidas ajenas, personas a quien el tiempo ha ido separando, el desgarro de vivir con heridas abiertas. 

Personas, crisis, dinero

Una extraordinaria interpretación del clásico de cabaret 'Money makes the world go round' por parte de los personajes a mitad de la cena anticipa el que será el motivo principal de la película. 

En un escenario de crisis económica y ¿por qué no? crisis personal de la llega a los 40, cada uno de los personajes manifiesta una cierta codicia y ambición y una recelosa envidia del bote del Euromillón que ha ganado Elia. El film relata cómo, cada uno de esos personajes en la reunión de amigos, aún tiene heridas sin cerrar y es incapaz de mostrarse al resto con sus miedos y debilidades. La fachada de felicidad ante los demás, que pronto se derrumba ante unos personajes con ambición shakespeariana, capaces de planear una traición por dinero. 

 Maribel Verdú

Por tercera vez musa de Querejeta, Maribel Verdú es quien da la fuerza y conduce la línea dramática del film. Su extraordinaria interpretación de la protagonista, Elia, demuestra que la actriz, de 44 años, está en uno de los puntos más dulces de su extensa carrera en el cine español. 

Verdú brilla con luz propia en cada uno de los registros que le exige el film, completando con exquisitez la historia hasta el último plano.   

La fotografía

No salgan de la sala antes de que terminen los créditos. Porque los créditos son un deleite en sí mismos a nivel de fotografía. 

Un día perfecto (León de Aranoa, 2015)

Después de Los lunes al sol (2002) y Princesas (2005), el director madrileño nos trae un film híbrido: la historia es un drama social sobre la crisis de refugiados en los Balcanes en los años 90 tras la guerra, mientras que el tono es cómico, se ríe de la cooperación internacional y hace una profunda crítica a la inutilidad de las instituciones internacionales y su papel en los conflictos. 

León de Aranoa nos trae el relato desgarrador de la post-guerra en Bosnia vista a través de los ojos de unos cooperantes occidentales. Basada en la novela de Paula Farias, Dejarse Llover, el film nos lleva en un recorrido por las heridas de una guerra que, pese a haberse sentenciado, parece no terminar nunca. En ese clima de letargo, de miedo a posibles minas, de desconfianza y hostilidad entre los pueblos que matan a sus vecinos, los autóctonos (una extraordinaria selección de personajes que generan suficiente desconfianza con una mirada a cámara) tratan de sobrevivir, y los cooperantes de hacer un (a veces absurdo) trabajo sobre el terreno, como se refleja la gran metáfora que es la anécdota del pozo, que marca la acción del film.

Humor, violencia, caos, silencio

El film tiene reminiscencias del western clásico, mientras que juega con el tiempo dilatado y el miedo que acecha en cielo abierto: miedo al fin que no es el fin, a la violencia incesante, a las represalias, a vecinos que se matan, a las minas en medio de caminos de tierra que recorren lugares de ninguna parte. Lo humano y lo dramático se mezclan con toques de humor, en los que es pieza clave los papeles de Mambrú (Benicio del Toro), el cooperante experimentado B (Tom Robbins) y un intérprete que trata de darle un toque de alegría a la amarga miseria.
Los diálogos exitosamente elaborados en inglés- recordemos que es la primera cinta de habla no española para León de Aranoa- son una bocanada de aire ante un cielo que parece estar viniéndose abajo. 

Los personajes

 

Benicio del Toro es, quizás, el actor más carismático del reparto. Su mirada entrecerrada son los ojos del espectador ante la miseria, y ante el irreal punto de vista que viven los cooperantes internacionales que son "arrojados" al mundo en crisis y a la vez maniatados por unas instituciones que no entienden  la necesidad de romper con la burocracia para mancharse las manos de ayuda. El personaje, entre embrutecido, déspota y vanidoso, se completa con una vida personal impuesta: una mujer que espera su regreso y una cierta estabilidad, una amante que se empeña en recordarle que es un infiel casanova.
De igual forma el rol que juega Tom Robbins, B, es otro personaje que deja más entrever de lo que cuenta. Un leit motiv rockero acompaña sus apariciones y guía sus rebeldes intervenciones. Un outcast, lobo solitario enganchado a las misiones tenebrosas con las que llena su vida.

Sin duda el film es una aproximaxión realista y diferente de un conflicto bélico, que permite hacer una cruda introspección de la realidad dándole momentos de relief al espectador. Un drama más latente que visible, que se palpa, se intuye. Un cielo eternamente gris. Un camino de tierra. Un todoterreno que se dirige a algún lugar en medio de ninguna parte.

"Aprendiendo a conducir" (Coixet, 2015)

Isabel Coixet se reinventa con esta comedia, aderezada con pequeños toques de drama familiar, en el que una afamada crítica literaria que intenta superar su divorcio, establece lazos de amistad con su profesor de autoescuela, un inmigrante indio con el que compartirás confidencias y confianza al volante. 

Si has tenido clases de conducir, seguramente entenderás la compleja relación de complicidad que se establece con el profesor que vela por tus locuras al volante. Se tratan temas personales, que ayudan al conductor a olvidar que está concentrado, que está nervioso, que está intentando conducir sin saber aún muy bien cómo. Eso es lo que narra Coixet en este film que contrapone dos mundos, el de Wendy (Patricia Clarkson), afamada escritora y de clase alta americana, y Darwan (Ben Kingsley), refugiado político indio que trabaja de sol a sol para poder tener un mínimo digno para vivir. 

Dos mundos, dos vidas, dos personas conectadas.

Quizá uno de los principales puntos fuertes del film es la manera de presentar los dos personajes protagonistas y la manera de cruzar sus destinos. Coixet abre con una alegre introspectiva de la crudeza de la vida de un inmigrante en Nueva York, y la necesidad de un pluriempleo para poder mantenerse en el humilde barrio de Queens, que, en su tránsito nocturno como taxista, se encontrará con Wendy en la huida de su marido. Ese momento casual pronto se convertirá en el principio de una entrañable relación entre los dos personajes, tan opuestos en sus momentos vitales como complementarios.

Brillante Patricia Clarkson

 Sin duda es Patricia Clarkson, encarnando el personaje de Wendy, la que lidera y mueve la historia. Bajo la dirección de una Isabel Coixet diferente, Patricia Clarkson nos traslada las reflexiones vitales sobre la vida de una mujer acomodada neoyorkina que intenta superar y entender su divorcio tras 21 años de matrimonio. 

La inmigración en Estados Unidos

Bajo apariencia cómica,  el film nos intenta desentrañar la dramática realidad de los inmigrantes en Estados Unidos. Darwan es un refugiado político que se ha integrado en la sociedad americana, que domina el idioma, que trabaja para poder pagar sus impuestos y mantener a su familia, su casa, en la que viven otros tantos inmigrantes clandestinos, siempre preocupados por el asalto policial.

Aunque también expone esa otra realidad, la del curry y los orígenes, la de los matrimonios concertados, los supermercados étnicos y los turbantes. Porque aunque Darwan es ciudadano americano de pleno derecho, mantiene sus raíces con ese miedo a lo patrio, a la represión política, a la nada.  

La meticulosa puesta en escena. El toque Coixet

Si bien el tono del film se aleja de lo que nos tiene acostumbrados la directora española, la meticulosa puesta en escena, los planos limpios dramáticos, las introspectivas de recuerdos e imaginación que se funden con la realidad con nostalgia, constituyen una parte más de las señas de identidad con las quela directora impregna esta comedia entrañable y sencilla.

¡Aún no se levanten! Los créditos

Uno de los detalles más llamativos del film es su cierre de créditos. Y no es baladí el uso del viaje por las carreteras americanas como fondo de los créditos. Es un cierre muy metafórico, un cierre que nos cuenta que Wendy lo consiguió, consiguió sacarse el carnet de conducir gracias a la inestimable ayuda de Darwan, pero también es una metáfora clásica, la del personaje: aprender a conducir a los cincuentaytantos forma parte de esa nueva vida que debe afrontar Wendy, ese viaje único y personal, interminable. 

El cine que viene

El Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) publicaba el listado de películas beneficiarias de las Ayudas a la Cinematografía para el pasado año 2014. Con 4.000.000 millones de euros para las Ayudas a la producción, empiezan a ver la luz algunos de los proyectos más interesantes de nuestra industria cinematográfica.

Lejos de lo que se pueda presuponer, las ayudas a la producción, un presupuesto destinado a amortiguar los costes de realizar la película y ayudar a permitir que el cine español sea posible, apenas alcanzan el 30% de los costes en el mejor de los casos.

De las 36 producciones que han logrado la ayuda, destacan dos films de amplia proyección mediática y que, si logran convencer a los espectadores, serán las películas de 2015-2016 :

• 'Embarazados', protagonizada por el dúo Alexandra Jiménez y Paco León, que narra la historia de las complicaciones de unos treintañeros que deciden ser padres antes de los 40.

•  'María (y los demás)' , una comedia dramática española que protagonizarán la actriz española del momento, Bárbara Lennie junto a y José Ángel Egido. Según su productora, Avalon, María (y los demás) "es una historia sobre el complicado viaje hacia la madurez. Una película amarga pero también vital y entusiasta que termina dejando al espectador con un buen sabor de boca y con el convencimiento de que la vida vale la pena vivirla" 

De un total de 432 proyectos que se presentaron a las ayudas, sólo 36 lograron un porcentaje de las ayudas. De las cuáles, la media de porcentaje que cubre del total de los gastos de producción que cubren estas ayudas, ronda el 17%. 

Un dato, sin duda, para la reflexión:

• ¿Deberíamos producir menos films y de mayor alcance, presupuesto y calidad, ampliando presupuestos y dando cabida a profesionales del audiovisual en proyectos de mayor repercusión?
• ¿Cuáles son las condiciones de financiación para todos esos films que no llegan a percibir las ayudas? ¿Cómo hacen frente a los pagos? Lo cuál lleva a la pregunta aún más escalofriante: ¿es rentable producir cine en España?
• ¿Cómo lograr salvar las barreras de distribución y que los costes se aminoren gracias a los espectadores en las salas? O, en otras palabras, ¿por qué no hemos encontrado aún nuestra fórmula para el cine español?

El cine español 'low cost'

La llegada de la crisis económica a nuestro país, azotó a la mayoría de sectores, y la industria cinematográfica no fue una excepción. Con la reducción de créditos del Instituto de Crédito Oficial (ICO) y de las entidades financieras, y con la llegada de una nueva política que no protege a la cultura, el cine ha tenido que buscar fórmulas para reencontrarse, para reencontrarse con su realidad económica y haciendo lo que mejor sabe hacer: contar historias.

Stockholm (Sorogoyen, 2013)

Este proyecto, financiado por crowdfunding en Verkami, es uno de esos films en los que el guión da un giro vertiginoso y el espectador se queda anonadado en la butaca. 

Stockholm narra la historia del ligue de una noche, dos desconocidos que entran en un perverso juego de flirteo hasta que él (Javier Pereira) consigue que ella (Aura Garrido) lo acompañe a su casa. Al despertar, nada es lo que parece...

Low cost en localizaciones y actores. La gran magia de este film, es que los giros de guión y la espectacular interpretación de los actores hacen la película. El resto, es pura entrega del (reducido) equipo técnico y de dirección y unas espectaculares localizaciones que nos llevan de paseo por el centro de Madrid. 

Con muy poco, Stockholm logra hacer grandes cosas.

Hermosa juventud (Rosales, 2014)

Con igualmente pocos medios, Jaime Rosales nos trae esta película que es un retrato de la generación ni-ni. 

En la coctelera de Rosales entra el descubrimiento de Ingrid García-Jonsson como reveladora actriz protagonista, acompañada de una serie de secundarios desconocidos, localizaciones exteriores y algún interior y, la principal virtud del film es su innovadora manera de hacer una elipsis temporal a través del carrete de fotografías del smartphone. Un recurso muy inteligente, innovador, y que ahorra una enorme cantidad de costes. Además, al narrar la desoladora realidad de la juventud española, el "producto low cost" acompaña a la economía. 

10.000km (Marqués- Marcet, 2014)

La precariedad laboral obliga a la pareja barcelonesa formada por Alex (Natalia Tena) y Sergi (David Verdaguer) a mantener una relación a distancia. Mientras que Alex por fin ve su carrera como fotógrafa realizada, su relación se desquebraja a través de la pantalla de ordenador...

El espacio cinematográfico del film se reduce a dos apartamentos y una pantalla, a través de la cual se desarrolla gran parte de la acción. Desgarradora Natalia Tena, envuelve al espectador en el drama, y le hace olvidar la claustrofóbica distancia que separa esos 10.000km. 

Musarañas (Andrés y Roel, 2014)

Que la produjera la nueva productora de la cinematográfica pareja formada por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, no significa que vaya a ser una macroproducción. Sin embargo, este film narra una y a la vez muchas historias dentro de un apartamento. Las heridas de la Guerra Civil, violaciones de padres a niñas, agorafobia, y un oscuro secreto familiar convergen en este maravilloso thriller de terror, en el que el espectador se sentirá igual de enclaustrado y angustiado que sus protagonistas. 

Además de la historia, el otro principal punto fuerte de la película es el cast, que incluye a algunos de los más carismáticos actores del panorama cinematográfico español (Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva)

Hablar (Oristrell,2015)

Hablar es una de esas películas que no cuenta nada. No cuenta nada porque no busca narrar una historia, sino el encuentro fortuito de habitantes de un mismo barrio, el madrileño barrio de Lavapiés, y cómo las vidas ajenas se cruzan en el ajetreo del día a día.

El film es una delicia cinematográfica. Narrado en un solo plano-secuencia (la cámara no corta de principio a fin), es un ejercicio extraordinario de planificación fílmica. Cámara al hombro, nos adentra en las vidas tan cotidianas como extraordinarias, historias del día a día, tan insignificantes como realistas. No hay un héroe, ni buenos ni malos, sino gente común, gente que quizás en algún momento pasa por nuestro lado, desapercibida, en silencio. Reminiscencias de un glorioso cinema verité francés, un pseudodocumental sobre un casual agosto de 2015 en Madrid.

Hablar trata de la comunicación. De las personas que se cruzan. De la fuerza de las palabras. De cómo sirven para conceptualizar el mundo que nos rodea y para construirlo. Hablar reflexiona sobre la incomunicación en las relaciones personales. Sobre la distancia, sobre los móviles que nos alejan de nuestros seres queridos.

El film cobra fuerza de la mano de un extraordinario cast. No sólo logra reunir a mucha de la mejor plantilla del panorama actual español, sino que logra una coordinación en el rodaje que roza la perfección. Maravillosos (como nos tienen acostumbrados) la pareja cinematográfica del momento, Raúl Arévalo, en el papel de un desesperado en una cita a ciegas, y Antonio de la Torre, que encarna a un círculo social en el que alerta de los peligros de los bancos. También imprescindible la versatilidad de Melanie Olivares y de Marta Etura, extraordinarias en la pérdida de cordura ante lo sórdida que es la vida.

Sin duda un film que disfrutarán mucho los más cinéfilos.

Algo falla en nuestra industria del cine...

Lo confirmaban los desalentadores datos de la última 'Fiesta del Cine' (mayo 2015): algo no está haciendo bien la industria del cine en España cuando ha perdido el 27% de espectadores respecto al año anterior. 

Por sexto año consecutivo se celebra (porque, en efecto, es una celebración) este evento nacional. Frente a los extraordinarios resultados de 2014, este 2015 consiguió atraer a las salas a tan solo 1,6 millones de espectadores de toda la geografía de nuestro país. Es la primera vez que se produce un descenso tan acusado en este evento, e impacta con la percepción de que el año pasado, sólo los Ocho Apellidos Vascos ya superaron en número de espectadores de este año. 

Hay varios factores a los que se les ha acusado de este descenso: la llegada de una primavera tardía, que invitaba más a pasar la tarde en una terraza que encerrado en una sala de cine o el fútbol, con uno de los partidos más atractivos del año. 

 Y algunas reflexiones más. 

Ante las inmensas colas de años anteriores, muchos cines abrieron la opción de comprar las entradas online, agilizando el proceso de compra. Aún así, muchos cines decidieron no tomar esta opción (por ejemplo los Cines Renoir). ¿Ha sido este un factor disuasorio también? Poner facilidades ayuda a 'empujar' al espectador a las salas.  

Un segundo factor determinante asociado al anterior es la proliferación de la iniciativa 'Los Miércoles al Cine', a precios que casi se asoman a los precios de la Fiesta del Cine. Ya no había tanta ansiedad por devorar películas, porque el hito del cine barato que representaba la Fiesta del Cine ya no es el único. 

Un tercer factor, y quizás de los más importantes para comprender nuestra industria es la elección que los espectadores hicieron de las películas. Según datos de Rentrak, la más taquillera ha sido 'Vengadores: La era de Ultrón', con 448.000 espectadores, seguida de 'El viaje más largo' (147.000), 'Suite francesa' (104.000), 'El maestro del agua' (98.000) y 'El gurú de las bodas' (72.000). Tres películas españolas se suman en el top10: 'A cambio de nada', de Daniel Guzmán, que se estrenaba tras cosechar un rotundo éxito en el Festival de Málaga, 'Perdiendo el norte' y la cinta de terror 'Sweet Home'. 

Ante este panorama reitero una teoría que creo que es crucial en nuestro país, y se trata de una educación o alfabetización en audiovisual. Las películas que el espectador elige son la consecuencia de muchos factores, entre ellos el marketing cinematográfico, como principal factor, la publicidad o la información a través de los medios de comunicación.
Los títulos demuestran que existe una falta de educación audiovisual y de percepción del cine. Muchos españoles prefirieron ver el fútbol que ir al cine, y los que decidieron ir al cine eligieron el cine americano comercial antes que películas europeas, de mayor calidad e intelectualmente más complejas. Creo que este punto es fundamental a la hora de entender a nuestro público. No hemos educado a las generaciones para entender y disfrutar el cine europeo, el cine de autor, el cine reflexivo. Les hemos adoctrinado para consumir un 'producto audiovisual masivo'.

Desde el ICAA desde hace varios años ya se promueven proyectos de alfabetización audiovisual en distintas instituciones y en distintas edades escolares, y ejemplo de este impulso es la convocatoria de los Premios de Alfabetización Audiovisual, orientados a acercar a los alumnos la cinematografía y el audiovisual.

Otro impulso fundamental y necesariamente urgente es la proliferación de un marketing cinematográfico que conecte con el espectador y que conecte con nuestro cine. No es un trabajo sencillo, que requiere trabajar la percepción y la imagen del cine español como producto. Se trata de un posicionamiento de marca que conecte con los españoles y cree una cultura arraigada, se trata de que se ame y se mime al "producto", sin duda toda una reingeniería de comunicación & marketing que nos permita llegar a los "espectadores perdidos".

A cambio de nada (Guzmán, 2015)

Daniel Guzmán nos presenta su ópera prima en un relato sobre la generación ni-ni de los años 90 que conjuga drama y comedia de la mano de unos personajes muy característicos, que nos trasladan a la realidad de la España de los sueños perdidos.

Galardonada con la Biznaga de Oro en el reciente Festival de Cine de Málaga, llega esta primera película Daniel Guzmán, que alcanzó la fama como actor con su papel de Roberto, un arquitecto infantil y frustrado, en la popular serie española Aquí no hay quien viva.

 La historia, que Guzmán define como autobiográfica, narra la conflictiva adolescencia de un chico que afronta con dificultad el divorcio de sus padres. Darío, de dieciséis años, pertenece a esa generación ni-ni de los años 90, durante los años de crecimiento económico del ladrillo en España, una época en la que dejar el instituto y ponerse a trabajar de mecánico era una opción factible y el sueño de cualquier adolescente rebelde. Y es que, en efecto, Guzmán sabe relatar con agudeza la vida de este (y tantos otros) adolescentes de barrio, el conflicto y la lucha, el desapego de los padres, las ganas de tener dinero propio a costa de cualquier cosa, el descubrimiento del sexo.

Una de las principales fortalezas del film es su capacidad de conjugar con mimo la comedia y el drama en esta cinta. Si bien la historia que narra es un drama en sí misma, la manera en la que la presenta es una ruptura genial con el género, arrancando carcajadas inverosímiles en la sala de cine. Los toques de humor, simples, que bien recuerdan al personaje de Roberto en Aquí no hay quien viva, acercan al espectador a la realidad desoladora de Darío con momentos de relief del drama que hacen olvidar la triste cotidianeidad de esa clase social trabajadora, con y sin aspiraciones capitalistas.

Otra fortaleza de A cambio de nada es su cast. Salvo la colaboración de Luis Tosar, el resto de personajes son actores no profesionales que interpretan con autenticidad el Madrid castizo y perdido: Miguel Herrán, el protagonista, cautiva al espectador desde que la cámara lo retrata por primera vez; mientras que la entrañable abuelita "buscagangas" para su pequeño local en el rastro, es la propia abuela de Guzmán.

Madrid omnipresente. A cambio de nada es un relato de la vida humilde en Madrid, de las manos sucias de hollín del mecánico que se viste de camisa para salir a las lujosas discotecas del centro. Es un paseo por la emblemática Gran Vía, y a la vez es todos esos barrios desconocidos, esos habitantes alejados del glamour que habitan el mismo cielo.

Sexo fácil, películas tristes (Flah, 2015)

Este film es el resultado de los frutos del programa Ibermedia, que promueve la coproducción entre países de habla hispana. Esta película hispanoargentina nos presenta una reflexión sobre la comedia romántica, sobre el amor, sobre la vida.

Una historia dentro de otra historia. Un guionista argentino, Pablo (Ernesto Alterio), recibe el encargo de escribir un guión de comedia romántica que se rodará en España, en un momento de plena crisis de pareja. 

El film inserta un relato dentro del otro y las historias se suceden paralelas, que es la principal fortaleza de esta película. Por un lado, la vida real, las complicaciones del amor, de las parejas, de personas que cambian y evolucionan con el tiempo: la historia del guionista, en Argentina. Por otro, la idealización del amor, que es la esencia misma de la comedia romántica. Marina (interpretada por Marta Etura) y Víctor (Quim Gutiérrez) interpretan a esa joven pareja enamorada, con sus dificultades y discusiones, pero que está destinada a estar junta. 

Todo el film está plagado de guiños a la propia industria del cine. En un pitching inicial, Pablo nos adelanta la sinopsis del guión en el que está trabajando, mezclando en la coctelera todos los elementos que son necesarios para el género de la comedia romántica.

Las dos historias mantienen la estructura clásica de los tres actos, el espectador se inquieta, introducción, nudo y desenlace, ¿finales felices?
Además, por exigencias de la productora, también nos explica por qué las localizaciones del film se incluye tal y como la vemos, o las dificultades económicas que atraviesa la industria del cine en los países hispanos, que acaba rindiéndose al capital.

Madrid. Una comedia 'indie' que pretende alejarse de lo mainstream y que hace un recorrido por el Madrid de Malasaña, por las librerías hipster, por calles y lugares que resultan conocidos sin caer en la obviedad de los grandes lugares emblemáticos.

En tonos pastel. La estética con la que se define la historia que nos narra, desde su amargura, Pablo, nos traslada desde un gris Buenos Aires a un Madrid en tonos azul y pastel. Y es que toda la parte de la película que se desarrolla en Madrid adquiere esa tonalidad de ensueño, de saturación de colores, vida dulce.

El cast. A nadie dejará indiferente la pasión de un Quim Gutiérrez loco de amor y a la vez tan realista, la dulce Marina, encarnada por Marta Etura, y su vida en común. El espectador vivirá las frustraciones y desengaños (en la vida y en el amor) del personaje de Ernesto Alterio, Pablo, el guionista argentino que oscila entre la ingenuidad y la madurez intelectual.

Sin duda una película diferente, una apuesta fuerte del cine español y argentino por una comedia amable, sencilla, y en la que el espectador saldrá con una dulce amargura de emociones. 

Úrsula Corberó y el marketing de 'Perdiendo el Norte'

Sin duda ha sido una de las atracciones principales de la película española que aspiraba a tomar el relevo como comedia del año a los Ocho apellidos vascos que tantas alegrías le dieron al cine español el 2014. 

No es un peliculón, pero su cast incluye sin duda a muchas de las grandes figuras del panorama de la comedia en España (Carmen Machi, galardonada con un Goya a Mejor Actriz por Ocho apellidos vascos, Javier Cámara, Malena Alterio, José Sacristán o Julián López entre otros).

Su director, Nacho G. Velilla, viene harto experimentado en comedias televisivas de éxito:  7 vidas, y su spin-off,  Aída son dos de sus creaciones. En 2008 dio el salto a la gran pantalla con Fuera de carta, una comedia protagonizada por Javier Cámara, Lola Dueñas y Fernando Tejero, y en 2010 nos presentaba su segundo film, Que se mueran los feos, también contando con Javier Cámara, aunque esta vez acompañado de Carmen Machi. 

Atresmedia, tras el éxito de La isla mínima, vuelve a apostar fuerte por el cine español. Todos los esfuerzos de promoción al alcance de la cadena se han volcado con 

Pero esta vez quizás ha sido otro elemento el que ha arrastrado a los 1,2 millones de espectadores a los cines en el fin de semana de su estreno (según datos de Rentrak Spain): el fenómeno Úrsula Corberó. 

Tras una dilatada carrera como actriz de exitosas series televisivas, entre las que destacan El internado, Física o química, La República e Isabel, Úrsula Corberó se ha convertido en la actriz/celebrity española del momento. Activa y reactiva en las redes sociales, presente en todas las revistas 'rosas' y de moda nacionales, a las que se ha sumado más presencia por su noviazgo con el modelo internacional Andrés Velencoso, sin duda Úrsula Corberó ha sido otra de las piezas muy clave en el engranaje del éxito cinematográfico del cine español de este 2015. 

Cinergia

Un proyecto de colaboración entre el grupo de comunicación español ATresMedia y la compañía Gas Natural Fenosa ha dado lugar a la creación de este proyecto audiovisual de acercar y fomentar la eficiencia energética a través del cine.

Paco Plaza y Jaume Balagueró, conocidos por la saga REC, Rodrigo Cortés, director de la claustrofóbica Buried, y el guionista y director Juan Cruz, son los cuatro figuras visibles que han querido unirse al proyecto y concienciar, a través de sus cortometrajes, de este tema a veces olvidado en nuestra sociedad.

Descubre los cortos, los tráilers y más en la web oficial: http://cine.gasnaturalfenosa.es/ 

Mujeres cineastas españolas: Pilar Miró

¿Quién fue Pilar Miró?

Pilar Miró fue la primera mujer cineasta que, durante el Franquismo, intentó con su cine, rompedor, arriesgado y anti-establishment, mostrar un cine español nuevo, un cine que hablaba de libertades. 

En 1982, con el primer gobierno socialista en España, Pilar Miró asumió el cargo de Directora General de Cinematografía, bajo el cuál llevó a cabo lo que hoy se conoce como "Ley Miró", un intento de aproximar el sistema del cine español al cine francés. Entre sus principales medidas incluía:

• Que el director fuera también productor y así tener mayor control sobre la película
• Aperturismo cultural e internacional del cine. Difusión y promoción del cine español. El film "Volver a empezar" (1982)  de José Luis Garci, logra el primer Oscar y se inauguran Semanas de Cine Español por distintas capitales a nivel mundial
• Las películas reciben, por primera vez en España, la calificaciones por edades 
• Creación de la Filmoteca Española, que cumple la función de salvaguarda del patrimonio histórico cinematográfico español. 

Durante el periodo de 1986-1989, fue nombrada Directora del Instituto RTVE, para después volver a su vocación como creadora. 

Sin duda, una de las grandes figuras femeninas del cine español: complicada, luchadora y siempre en busca de ese algo más que conforma la esencia del cine.

Destacan en su filmografía...

• La petición (1976)
• El crimen de Cuenca (1979) --> censurada por la Junta Militar
• Gary Cooper, que estás en los cielos (1980)
• Hablamos esta noche (1982)
• El perro del hortelano (1996)

29 Edición de los Premios Goya

El cine español se volverá a vestir de gala el próximo domingo 8 de febrero para premiar a nuestras películas en un año que han brillado por su calidad y por su extraordinaria recepción en las salas de cine. Sin duda, esta edición de 2015 será prometedora, y esperemos que sirva para consolidar la tendencia de apreciación hacia nuestro cine.  

Las principales candidaturas y apuestas fuertes para estos Goya 2015 son:

• El Niño
• La isla mínima
• Relatos salvajes
• Magical Girl
• Loreak

Todas y cada una de ellas muestran el enorme talento y la gran calidad de las producciones cinematográficas en nuestro país pese a que las circunstancias en los últimos años no han acompañado a las grandes posibilidades de nuestro cine. 

Me gustaría recalcar que estas producciones, de enorme calidad y potencial, no son fruto de 

la política agresiva contra una de las verdaderas industrias "pesadas" de nuestro país: la industria del cine. 

Estas películas son la consecuencia de muchos esfuerzos, personales y colectivos, para llevar adelante sueños, para convertirlos en proyectos, para ponerse a rodar con dificultades económicas, sin financiación, con un gobierno que ha dado la espalda a una de las más fructíferas vías de promocionar a un país: su cultura, su intelecto y su cinematografía. 

Y con todo esto, cada año los Goya se vuelven más especiales y nos hacen creer en el potencial de capital humano y cultural que tiene España, un potencial que apuesta por poner en mayúsculas al CINE ESPAÑOL.