Steve Jobs (Danny Boyle, 2016)

Frenético ejercicio 

Quién mejor que Danny Boyle, bajo un guión del reconocido Aaron Sorkin, para llevar a la gran pantalla al genio del S.XXI. No se trata de hacer una biografía. Eso podría hacerlo cualquiera. El director británico sorprende con brillantez trasladando al espectador al frenético momento del genio, ese minuto detrás de cada uno de los extraordinarios discursos y, cómo no, ese marketing que ha convertido a Apple en un universo. 

Sin duda las escuelas de cine estudiarán este film por su arriesgada e innovadora puesta en escena. Más allá de los planos imposibles de salas abarrotadas, ángulos que cubren casi la totalidad de la pantalla y que envuelven, y otros planos en los que la persona-personaje Steve Jobs ocupa un primerísimo casi impositivo plano, hay dos recursos narrativos sublimes en el film de Boyle.

El primero es una consecución de plano-contraplano en conversaciones entre Steve y su jefe en Apple, encarnados por Michael Fassbender y Jeff Daniels respectivamente. 

La situación espacio-temporal del film es disrrumpida por dos conversaciones, la que tiene lugar en el tiempo real, y otra que hace referencia a un momento temporal anterior y en el que ambos personajes tomaron decisiones cruciales en el futuro de la compañía y que divergen de la mente creadora de Jobs. Los plano-contraplano se concatenan, creando una conversación totalmente diferente y a la vez completa del momento real, y rompiendo todos los esquemas clásicos de la creación cinematográfica. El espectador siente que las imágenes lo bombardean, y a la vez, las palabras, tienen un sentido completo. Esa increíble manipulación de la narrativa fílmica con la excelencia de lograr un recurso brillante (y repetido a lo largo del film) es una magnífica aportación a uno de los primeros films de 2016.

La segunda gran innovación de Danny Boyle es la utilización del formato (IPad) integrado en la propia película. Es, sencillamente, sublime. Las imágenes de las noticias y los avances se encadenan, como si el propio usuario de un Ipad deslizara su dedo atravesándolas, deslizándolas antes los ojos del espectador en la gran pantalla.

Aaron Sorkin, el hombre ideal para el dueto

El film es una de las grandes maravillas en cuanto a forma, pero el contenido, esa adaptación de Aaron Sorkin del 'biopic', tampoco queda alejado. La narración se desarrolla en momentos específicos, los minutos cruciales antes de las archiconocidas conferencias de Jobs en distintos lugares emblemáticos de Estados Unidos. Ese corsé, sirve de pretexto y encaja al espectador en un claustrofóbico espacio. La tensión, abre paso a flashbacks en la vida de Jobs, a través de otros personajes. A modo de álbum multimedia de recuerdos, Sorkin nos invita a un paseo por algunos de los momentos que han marcado la vida de Steve Jobs. Una narración central que despliega sus tentáculos, para siempre volver al epicentro, y avanzar a otro epicentro.

Michael Fassbender, polifacético

Fassbender se ha convertido en la apuesta segura de Hollywood, el chico sexy polifacético del paseo de la fama. Desde su impresionante interpretación del obseso sexual en Shame (2011), pasando por papeles destacados en Inglorious Basterds, A dangerous method, 12 years a slave, este 2016, Fassbender brilla con luz propia en Macbeth y en este film, tan variados y diversos como las cualidades innegables y excelentes del actor. Esperemos que este 2016 le traiga todo el reconocimiento a esta trayectoria.

Sexo fácil, películas tristes (Flah, 2015)

Este film es el resultado de los frutos del programa Ibermedia, que promueve la coproducción entre países de habla hispana. Esta película hispanoargentina nos presenta una reflexión sobre la comedia romántica, sobre el amor, sobre la vida.

Una historia dentro de otra historia. Un guionista argentino, Pablo (Ernesto Alterio), recibe el encargo de escribir un guión de comedia romántica que se rodará en España, en un momento de plena crisis de pareja. 

El film inserta un relato dentro del otro y las historias se suceden paralelas, que es la principal fortaleza de esta película. Por un lado, la vida real, las complicaciones del amor, de las parejas, de personas que cambian y evolucionan con el tiempo: la historia del guionista, en Argentina. Por otro, la idealización del amor, que es la esencia misma de la comedia romántica. Marina (interpretada por Marta Etura) y Víctor (Quim Gutiérrez) interpretan a esa joven pareja enamorada, con sus dificultades y discusiones, pero que está destinada a estar junta. 

Todo el film está plagado de guiños a la propia industria del cine. En un pitching inicial, Pablo nos adelanta la sinopsis del guión en el que está trabajando, mezclando en la coctelera todos los elementos que son necesarios para el género de la comedia romántica.

Las dos historias mantienen la estructura clásica de los tres actos, el espectador se inquieta, introducción, nudo y desenlace, ¿finales felices?
Además, por exigencias de la productora, también nos explica por qué las localizaciones del film se incluye tal y como la vemos, o las dificultades económicas que atraviesa la industria del cine en los países hispanos, que acaba rindiéndose al capital.

Madrid. Una comedia 'indie' que pretende alejarse de lo mainstream y que hace un recorrido por el Madrid de Malasaña, por las librerías hipster, por calles y lugares que resultan conocidos sin caer en la obviedad de los grandes lugares emblemáticos.

En tonos pastel. La estética con la que se define la historia que nos narra, desde su amargura, Pablo, nos traslada desde un gris Buenos Aires a un Madrid en tonos azul y pastel. Y es que toda la parte de la película que se desarrolla en Madrid adquiere esa tonalidad de ensueño, de saturación de colores, vida dulce.

El cast. A nadie dejará indiferente la pasión de un Quim Gutiérrez loco de amor y a la vez tan realista, la dulce Marina, encarnada por Marta Etura, y su vida en común. El espectador vivirá las frustraciones y desengaños (en la vida y en el amor) del personaje de Ernesto Alterio, Pablo, el guionista argentino que oscila entre la ingenuidad y la madurez intelectual.

Sin duda una película diferente, una apuesta fuerte del cine español y argentino por una comedia amable, sencilla, y en la que el espectador saldrá con una dulce amargura de emociones. 

Maps to the stars (Cronenberg, 2015)

Sinopsis- David Cronenberg presenta una glamourosa coctelera del panorama hollywoodiense actual. Su  'mapa de estrellas' pivota desde la excéntrica actriz Havana Segrand (Julianne Moore), sobre la que empiezan a pesar los años, para presentar un recorrido satírico por las extravagancias y locuras del microcosmos que es el propio Hollywood. 

Cronenberg propone un escalofriante paseo por el "Paseo de la Fama", una macabra galería de vicios y perversiones que combinan el humor negro y un drama familiar salpicado por esquizofrenia, piromanía e incesto, aderezado con una violencia latente que se construye silenciosa y ataca discreta e inesperada y culminado por las alucinaciones con  fantasmas del pasado. 

Agatha (Mia Wasikowska) aterriza en Hollywood de la mano del conductor de limusinas Jerome (Robert Pattinson), un joven que aspira a convertirse en famoso gracias a sus suculentos guiones y que es la figura que encarna al guionista del propio film, Bruce Wagner. Ambos 'outsiders' acercan al espectador a la realidad y el caos de las estrellas hollywoodienses en un viaje por el caos de un mundo en el que la rehabilitación de las drogas de las estrellas adolescentes y el pseudoespiritualismo conviven con el pánico por envejecer encarnado en la angustia de Havana. 

La innovadora forma de presentación de los personajes es quizás uno de los puntos más fuertes del film, y cómo cada una de las piezas acaba encajando y reordenándose. La misteriosa Ágata, la excéntrica Havana, su doctor/fisioterapeuta/terapeuta espiritual Dr. Stafford (John Cusack), y el joven bieberiano Benjie (Evan Bird), que se reincorpora al mundo del espectáculo tras un intenso verano de 'rehab'.

Destaca la ejecutación impecable de la actuación de Julianne Moore encarnando la decadencia física, moral y sexual de una actriz que está acabada y sus alucinaciones freudianas.

Y el espectador queda cautivado con la aparición de Mia Wasikowska, un personajes trastornado, mutilado, una criatura misteriosa y gótica que el espectador desconoce incluso más allá de los créditos finales. 

Ambas dirigen y definen la melodía de un film que deja atrás la visión del salón de la fama hollywoodiense de los clásicos Sunset Boulevard (Wilder, 1950) y Todo sobre Eva (Mankiewick, 1950), para acercarse más al universo inquietante de Mulholland Drive (Lynch, 2001). Un viaje que zarandeará al espectador en su butaca, debatiéndose entre la risa y lo bizarro, sintiendo la tensión y, sobretodo, la incomprensión de todas esas atormentadas estrellas del mapa. 

Mujeres cineastas españolas: Pilar Miró

¿Quién fue Pilar Miró?

Pilar Miró fue la primera mujer cineasta que, durante el Franquismo, intentó con su cine, rompedor, arriesgado y anti-establishment, mostrar un cine español nuevo, un cine que hablaba de libertades. 

En 1982, con el primer gobierno socialista en España, Pilar Miró asumió el cargo de Directora General de Cinematografía, bajo el cuál llevó a cabo lo que hoy se conoce como "Ley Miró", un intento de aproximar el sistema del cine español al cine francés. Entre sus principales medidas incluía:

• Que el director fuera también productor y así tener mayor control sobre la película
• Aperturismo cultural e internacional del cine. Difusión y promoción del cine español. El film "Volver a empezar" (1982)  de José Luis Garci, logra el primer Oscar y se inauguran Semanas de Cine Español por distintas capitales a nivel mundial
• Las películas reciben, por primera vez en España, la calificaciones por edades 
• Creación de la Filmoteca Española, que cumple la función de salvaguarda del patrimonio histórico cinematográfico español. 

Durante el periodo de 1986-1989, fue nombrada Directora del Instituto RTVE, para después volver a su vocación como creadora. 

Sin duda, una de las grandes figuras femeninas del cine español: complicada, luchadora y siempre en busca de ese algo más que conforma la esencia del cine.

Destacan en su filmografía...

• La petición (1976)
• El crimen de Cuenca (1979) --> censurada por la Junta Militar
• Gary Cooper, que estás en los cielos (1980)
• Hablamos esta noche (1982)
• El perro del hortelano (1996)

La reescritura de la Historia. Quentin Tarantino: Malditos Bastardos (2009) y Django desencadenado (2012).

"The one duty we owe to history is to rewrite it" Oscar Wilde

Quentin Tarantino es un producto de la postmodernidad. Su cine, violento, evocador, provocativo, y que desafía los corsés del establishment, ahora hace un nuevo viraje en su cine hacia lo que se conoce como la "reescritura de la historia", un concepto cultural postmoderno.
Tanto Malditos Bastardos (2009) como Django desencadenado (2012) se encuadran dentro esta corriente cultural que propone cuestionar el estatus de los hechos históricos y desconfiar de la HISTORIA (en mayúsculas), que aparenta ser neutra y objetiva, y reconceptualizarla.

Tanto la historia como la ficción son la construcción de un discurso. Y Tarantino busca escribir el suyo revisitando dos de los hechos históricos que más han marcado nuestra sociedad contemporánea: el holocauto nazi de la Alemania hitleriana y la liberación de los afroamericanos esclavos en las plantaciones de EEUU.

Malditos Bastardos se define como “la película de guerra de Tarantino”. Tomando como referencia “Aquel maldito tren blindado (Inglorious Bastards)” (1978) de Enzo G. Castellari, nos presenta un film que refleja el espíritu postmoderno del pastiche: un conglomerado de subgéneros que configuran la ambiciosa intención del cineasta de reescribir la Historia. Nos encontramos con el cine bélico, de acción, un film de estética francesa y un “spagueti- western”  mezclados en una coctelera de la que surgirá un elixir explosivo ante los ojos del espectador que, desde su butaca, espera ansioso que acabe la melodía “gloriosa” que acompaña los créditos iniciales. A todo ello, se añade una estructura aún más postmoderna si cabe: el de la novela en capítulos, cada uno con un elemento característico. La narración fragmentada y en la que confluyen historias paralelas es, a su vez, una metáfora de los diferentes prismas con los que vemos nuestra realidad. Además, Tarantino hace un ejercicio de "des-mitificación" de la figura del Führer, ridiculizando su personaje en un film de estética extremadamente cuidada.

En Django desencadenado da una voz propia a "los otros", los esclavos negros, y el espectador adopta el punto de vista de Django, contestatario esclavo de las plantaciones que lucha por alcanzar su libertad en el entorno. El film es una denuncia de cómo la historia se narra desde las relaciones de poder, y cómo las voces quedan silenciadas y relegadas al olvido. Django se convierte en un "esclavo libre" pero debe luchar frente a los prejuicios de una sociedad que discrimina y desprecia, que deshumaniza y denigra a los hombres de color. Pero el personaje que presenta Tarantino no es ni mucho menos sumiso. Django desafía a la opresión que le ofrece el hombre blanco y reescribe su propia historia venciendo las reglas establecidas y superando los obstáculos de la violencia.

"The postmodern reply consists of recognizing the past, since it cannot really be destroyed, because its deconstruction leads to silence, must be revisited, but with irony, not innocently" 

Umberto Eco.

Y es así como Tarantino rompe el silencio, con ironía y humor:

Tarantino, en su reciente "historia fílmica", pone de manifiesto nuestra manera de pensar la historia, y nos invita a revisitarla de manera crítica, reconceptualizándola, y cuestionando cómo conocemos y cómo entendemos la historia.